(An english version of this interview is available at Steel Raining)

Durante la pasada edición de Expocómic 2011, en Madrid, Kekorto tuvo la oportunidad de compartir unos minutos con Rick Leonardi. Dibujante de series como Capa y Puñal, Spider-Man 2099 y Superman, entre otras, Leonardi se sentó con nosotros a repasar su carrera. Desde sus primeros trabajos para Marvel, hasta la más reciente Darth Vader and the Lost Command, dentro del universo Star Wars.

Kekorto: Para empezar, queríamos que nos hablaras de tus inicios como artista.

Rick Leonardi: Mi primer trabajo… creo que el primero fue en 1980. En Thor #303

K: Thor fue tu primer trabajo profesional, pero cómo llegaste a ser dibujante?

RL: Bueno, en 1979 me gradué en la universidad y decidí que quería trabajar en la industria del cómic, así que escribí una historia, la dibujé, la entinté, añadí bocadillos y la llevé… en aquellos tiempos no había fotocopias, así que tuve que usar un proceso de reprografía muy caro, el photostat, para reducir las planchas enormes al tamaño de un comic book. Pero lo hice, porque quería que tuviera el aspecto de un cómic. Lo envié a Marvel y esperé durante meses. En Diciembre de 1979, por fin recibí una llamada de Nueva York que me decía: “No podemos saberlo. Dices que quieres ser dibujante, pero no podemos saber que clase de lápices haces, porque esto está entintado, y es muy pequeño, y tiene bocadillos de texto encima. Puede que seas un buen escritor. No lo sabemos, pero tu texto es bastante bueno”. Así que dije: “Aw!” (golpeándose la frente). Me fui a casa y dibujé tres imágenes, tres páginas a lápiz de Conan el bárbaro, posando… y eso fue todo.

K: A lo largo de tu carrera lo has dibujado casi todo. Desde Marvel a DC. Practicamente cualquier personaje…

RL: Menos Batman. Mi Moby Dick.

K: En serio? Pero hemos visto dibujos tuyos de Batman…

RL: Sí, lo he tenido en muchas de las historias que he dibujado, pero nunca en uno de sus propios títulos.

K: Lástima, porque sería genial. De modo que pasate mucho tiempo trabajando para Marvel…

RL: Más de 20 años, sí.

K: … trabajando en historias como Capa y Puñal, que tocaba temas bastante delicados para la época. Cosas como el tráfico de drogas o el abuso de menores. ¿Cómo enfocas esa clase de trabajo, como dibujante?

RL: Bueno, Bill Mantlo, el escritor, estaba estudiando Derecho en aquella época y siempre fue un hombre socialmente comprometido. Capa y Puñal… creo que siempre iba a estar enfocada en esa dirección, antes que ser la clásica aventura de superhéroes. Así que mis instrucciones como dibujante eran investigar y hacer todo eso lo más real posible: Nueva York, los callejones, los rincones oscuros. Recuerdo que solía pasear por Nueva York en aquella época. Un largo paseo atravesando Hell’s Kitchen.

K: Otro de tus trabajos más recordados es tu etapa en Spider-man 2099, como parte del universo futurista de Marvel, el 2099.

RL: Fue la temporada más larga que he pasado en un mismo título. 25 números mas la novela gráfica.

K: Cómo te involucraste en aquella serie? Parecía un proyecto complicado….

RL: Era algo complicado, pero creo que buscaban gente que se parase a pensar un poco en lo que iban a dibujar.

K: Mucho trabajo de diseño y preproducción, supongo.

RL: Exacto. Éramos cuatro equipos, para cuatro títulos distintos, reunidos en la sala de conferencias de un hotel, lejos de la oficina. Tuvimos una reunión secreta para hacer brainstorming y discutir algunas de las ideas originales y el modo en que íbamos a hacer las cosas. Creo que la idea de tener una Nueva York moderna, construida encima de la ciudad vieja, con carriles de levitación magnéticos que la recorrían de arriba abajo… creo que eso fue idea mía.

K: También se te recuerda como el creador del traje negro que Spider-Man llevaba en los 80. El que acabaría por convertirse en Veneno.

RL: Bueno, el traje negro original…. Mike Zeck hizo un boceto muy rápido para Jim Shooter, y después Jim Shooter me llamó y me dijo: “¿Puedes refinarlo? Necesitamos tres vistas. Necesitamos un modelo a partir del que puedan trabajar nuestros artistas”. Creo que no hice mucho. Separé las patas (en el logo del pecho) y les añadí una articulación más. Puede que también hiciera lo de las muñecas.

K: Preparando esta entrevista ayer, nos encontramos esta serie llamada The Rampaging Hulk donde apareces acreditado como guionista en un par de números. Háblanos un poco de ella.

RL: ¿Mi versión de la historia?

K: Sí, claro.

RL: Siempre ha existido El Increíble Hulk. La escribía Peter David y él había llevado El Increíble Hulk en una dirección nueva e interesante. Hulk había sido verde, pero ahora era gris. Antes no era listo, pero ahora era muy inteligente. ¿Recordáis? Era una lectura muy interesante, pero también muy distinta de lo que Hulk solía ser, así que creo que en Marvel dijeron: “necesitamos recuperar el modo de ser de Hulk. No vamos a cambiar a Peter David, porque Peter David… (Leonardi hace un gesto de reverencia). Así que haremos un cómic distinto llamado The Rampaging Hulk“.

Las historias serían autoconclusivas y él volvería a estar furioso y a aplastar cosas, como el antigo. Supongo que la idea era tratar de atraer a la gente a quien le gustaba el modo en que se solía comportar, en lugar de aquello en lo que se había convertido. Así que a la altura del número séis, vendíamos tantos Rampaging Hulk que la gente de The Incredible Hulk dijo: “eh, espera un momento. Nosotros haremos que nuestro Hulk involucione”, así que cancelaron nuestro título.

K: Después de mucho tiempo trabajando para Marvel, decidiste dar el salto a DC.

RL: Bueno, Marvel empezó a tener… Tuvo dificultades financieras. Su primera tanda de dificultades financieras. De repente todos esos editores de nivel medio con los que había estado trabajando se habían marchado. Despedidos. Así que yo los seguí hacia DC. Fue una época difícil.

K: Desde luego. Pero no importa si se trata de Nightwing, Batgirl o Vigilante, siempre pareces cómodo en ese tipo de historia ambientada en la ciudad. Héroes solitarios en un entorno urbano…

RL: Creo que son un tipo de historias que me vienen bien. Es verdad que son de un estilo parecido. Suelo acabar en las historias más oscuras y sombrías. Historias de callejón. En especial Vigilante. Entonces fueron muy claros: “Necesitamos a alguien que pueda hacer una historia sombría”.

K: Dado que llevas mucho tiempo trabajando en la industria, queríamos preguntarte por el modo en que han evolucionado el dibujo y los gustos de los lectores en los cómics.

RL: Bueno, hoy están pasando muchas cosas en lo que yo llamaría el lado de la postproducción, que en realidad no entiendo tan bien. Hace unos días vi un vídeo que alguien había subido a internet, con un artista español dibujando un pin-up. Había empezado a trabajar con un lápiz azul, pero me sorprendió que enseguida, antes de lo que yo lo hubiera hecho, se lo llevó al scanner y luego a Photoshop. Eso no forma parte de mi trabajo. Yo todavía… (hace un gesto de dibujar a mano)

K: Aún no te has pasado a las herramientas digitales.

RL: Sí, exacto.

K: Hace poco te hemos visto trabajar en distintos cómics basados en películas. Cosas como Aliens Vs. Predator o la miniserie Darth Vader and the Lost Command.

RL: Eso es Dark Horse. Dark Horse tiene esas licencias.

K: ¿Qué diferencias hay entre trabajar en esta clase de licencias y hacerlo en un cómic de superhéroes clásico?

RL: No es enormemente distinto, aunque cuando llevaba dos números de la historia de Darth Vader, para Star Wars, recibí algunos comentarios de Lucas (Books). Estaba haciendo esta… está esta rejilla triangular aquí (sobre la boca de Vader), y hay otra rejilla triangular aquí debajo (en el cuello de Vader). Esta estaba mal (Leonardi señala la rejilla de abajo, la del cuello). La estaba dibujando mal. Tuvimos que volver atrás y corregirlo.

K: Sigues leyendo cómics con regularidad?

RL: No, con regularidad no. Sigo a artistas concretos.

K: ¿De veras? Porque queríamos preguntarte por tus influencias, el tipo de cosas que te gustan.

RL: Bueno, de niño leía muchas reimpresiones de material muy antiguo. El Príncipe Valiente de Hal Foster, Alex Raymond, Milton Caniff, Will Eisner… todos los abuelos de los cómics. Pero el tipo que realmente llamó mi atención fue Jim Steranko. Su material para Agent of S.H.I.E.L.D. y en Capitán América. Fantástico. Un trabajo fantástico. La verdad es que él fue el primer… bueno, ya sabes, está Jack Kirby (Leonardi vuelve a hacer un gesto de reverencia cuando menciona a Kirby)… pero Jim Steranko fue el primer dibujante estrella del rock y yo pensaba “Wow, este tío es el número uno”.

K: Alguna vez has pensado en crear tus propias historias, o publicar tus propias creaciones?

RL: Bueno, supongo que tu siguiente pregunta va a ser: “¿En qué estás trabajando ahora?”. Sí, supongo que es lo que tendré que hacer. Ya sabes, Disney ha comprado Marvel y no sé en que clase de negocio están ahora. DC, como reacción a esa compra, está hecha un lío. No lo sé. No sé a quien llamar, así que es el momento de trabajar con editoriales independientes y tal vez hacer algo por mi cuenta.

K: Bueno, pues creo que eso es todo. Muchísimas gracias, Rick, y estaremos atentos a todos tus próximos proyectos.

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Había un tiempo (aquellos extraños ochentas) en el que conseguir merchandising de tus personajes de cómic favoritos resultaba más que difícil. Si vivías en un pueblo ni te cuento. Pero gracias a las papelerías y a las pequeñas jugueterías de barrio podías encontrar en sus atestados escaparates y por un precio razonable figuras de tóxico PVC que representaban a tus héroes de las películas, los dibujos animados y los cómics. A mi me dió en aquella época por coleccionar estas piezas de plástico kitsch.

Hace un par de meses y paseando por Madrid encontré en el escaparate del genial Bazar Bárbara Baratijas (Calle de Guzmán el Bueno, 101) la última adhesión, el Spiderman con traje negro. Me resistía a comprarlo porque debido a complejos mecanismos mentales de un servidor no tenía cabida en mi colección. Pero lo hice, y debido a una capacidad que aumenta con la edad de dar palique a cualquier desconocido que se interponga en mi camino entablé una cordial conversación con los dueños de la tienda que amablemente respondieron a mi batería de preguntas y encima me regalaron los catálogos de figuritas que ellos manejan actualmente.

Comics Spain, la marca bajo la que se comercializaban estos muñecos durante los 80 y parte de los 90, genera un montón de interrogantes en mi cabeza, nunca vi un catálogo, ni un póster, ni algo de packaging, nada de nada. Una empresa que no se daba a conocer, reponía o hacía desaparecer ciertas figuras, tenía contactos con empresas internacionales (o no, vaya usted a saber), creaba nuevas colecciones sin saber muy bien el porqué y se aferraba a personajes totalmente desconocidos para el gran público. Un castillo de interrogantes sobre una montaña de hipótesis y el único hilo que nos unía al fabricante era una leyenda en la entrepierna de un muñeco.

Actualmente Comansi sigue vendiendo muñecos en gran cantidad de tiendas bajo su firma Yolanda, pero ya no los hacen de PVC, han creado modelos nuevos de los mismos personajes aunque han heredado algunos moldes de la anterior trayectoria, por lo que su catálogo quizá sea más racional que hace años y basan sus elecciones de fabricación en personajes asentados en la memoria colectiva del comprador y que suelen estar apoyados en estrenos de películas o series animadas.

Como no hay mucho material gráfico en internet que sirva a los coleccionistas como guía, he decidido dar a conocer mi colección de “héroes del cómic”. Ha sido reunida con la idea de no repetir figuras del mismo personaje, que todas compartan la misma escala (no valdrían las figuras nuevas un poco más grandes) y que sean de personajes que hayan aparecido en cómics de superhéroes o similares. Si tenéis alguna figura en casa que no esté aquí la añadiré a la lista para que sirva de futura refencia. Ahí lo dejo.

Bazar Bárbara‎
C/ Guzmán El Bueno, 101
28015 Madrid, España
915 438 277

No todos llegan a la edad de plata con la buena salud del Capi, pero claro, tampoco todos pueden comprar suero de supersoldado en farmacias en lugar de Viagra. Cierto es que ha estado congelado media vida y hasta hace nada criando malvas, pero lejos de pasar a segunda actividad y cobrar su pensión marvelita, el héroe ha vuelto para convertirse en ‘el poli’ de América. Para felicitar a Steve, en Kekorto hemos decidido cambiar las 70 velas por similar número de curiosidades de su historia.

1- El personaje del Capitán América vio la luz en plena II Guerra Mundial (marzo de 1941), como un “arma” propagandística de Estados Unidos para combatir a los nazis.

2- Sus padres ideológicos fueron los historietistas Joe Simon y Jack Kirby, quienes crearon al superhéroe en la editorial americana Timely. Simon realizó un boceto y un guión iniciales a finales de 1940 mientras Kirby dibujó el primer número.

3- Los creadores del personaje, ambos judíos, recibieron varias amenazas de muerte de antisemitas por el guión del primer episodio de la colección. La cosa llegó hasta tal punto que las autoridades americanas les proporcionaron protección.

4- El primer nombre que se barajó para el icono fue el de “Super American”. Joe Simon ha explicado que “no funcionaba porque había demasiados supers en los comics. Sin embargo, no había demasiados capitanes, así que “le iba bien”.

5- El primer número de la colección, con una portada en la que el Capitán América golpeaba a un caricaturizado Adolf Hitler en plena cara, vendió casi 1 millón de copias.

6- El nacimiento de Steve Rogers, según su biografía en el mundo del cómic, fue el 4 de julio de 1920 (No podría ser otro día que no fuera el de la Independencia). Sus padres eran unos inmigrantes irlandeses que morirían siendo él aún niño.

7- Steve estudiaba Bellas Artes antes en la época de la Gran Depresión.

8- Antes de ser Capitán América, Rogers intentó alistarse varias veces en el ejército americano para luchar contra los nazis, pero le rechazaron por su fragilidad y debilidad física. Todo apuntaba a que tenía la polio.

9- Steve se sometió a un experimento ultrasecreto del Ejército de EE.UU por el cual le fue inyectado un suero “del SuperSoldado” y fue bombardeado con rayos “vita”. Éste curaría su enfermedad, le haría aumentar su tamaño y masa muscular y le otorgaría superfuerza y superresistencia, convirtiendo su físico en perfecto.

10- Tras el cambio se estima que la altura del héroe es de 1,88 m y su peso de 99 kilogramos.

11- El objetivo de los americanos era conseguir un ejército de “supersoldados” para luchar contra los alemanes. Sin embargo, un espía nazi mató al inventor de la sustancia, Abraham Erskine, destruyendo la única muestra de suero existente. Así paralizó el proyecto y dejó a Steve irremediablemente como único miembro de este grupo de superhombres.

12- Para convertirse en el Capitán América, Rogers fue sometido a un duro entrenamiento de tres meses en el que se le adiestraría en artes marciales y técnicas de combate, así como en tácticas militares. Además de ser un perfecto líder, se trata de un estupendo estratega.

13- Rogers también sufrió un acondicionamiento mental en el que se le hizo una especie de lavado de cerebro para que no revelara información confidencial al enemigo en caso de ser capturado. Así, se le llevó a creer que su verdadero nombre era Grant Rogers, que tenía un hermano y que sus padres eran diplomáticos. No recordaría su verdadera identidad hasta mucho después.

14- Muchos años después, el hombre x llamado Lobezno encontró que el proyecto Rebirth, por el que Rogers se convirtió en el Capi, había sido en realidad el canto de cisne del programa ‘Arma Plus’. El mutante, que en su día fue convertido en ‘Arma X’, descubrió que esta X significaba que había sido el décimo sujeto sobre el cual se había experimentado. Teóricamente, el propio Capitán América era considerado el ‘Arma I’. Lobezno descubrió el pastel gracias a Fantomex o ‘Arma XIII’.

15- El uniforme original del héroe incluía una cartuchera con pistola, una máscara que sólo tapaba la mitad superior de la cara y un escudo con forma triangular hecho de acero ordinario. Estos elementos fueron abandonados pronto por el Capi. La máscara se le levantaba y podría revelar su identidad, así que se cambió por una completa. El escudo fue sustituido por otro circular que también se usaba como arma arrojadiza, así pues, el héroe ya no necesitaba la pistola.

16- El nuevo escudo, de 30 pulgadas de diámetro y 5,44 kilos de peso, fue creado por el doctor Myron Machain en base a una aleación indestructible de vibranium y acero. El objeto se ha convertido en el mayor símbolo del personaje.

17- En realidad el cambio en el escudo del Capi respondió más a razones de evitar problemas de propiedad intelectual que de funcionalidad para el personaje. El objeto “clavaba” la pechera del uniforme de otro carácter de la editorial MLJ que, precisamente, respondía al nombre de ‘The Shield’ (escudo en inglés). Éste había aparecido cuatro meses antes del Capitán América y fue uno de los primeros héroes patrióticos americanos.

18- El primer villano de ficción contra el que se enfrentó el héroe fue Cráneo Rojo (‘Red Skull’), un oficial al mando de las actividades terroristas nazis llamado en realidad Johan Schmidt que estaba involucrado también en operaciones de sabotaje externo y espionaje. Hitler obligaba al militar a llevar una máscara de calavera roja para intimidar e infundir temor en sus tropas y enemigos.

19- El Capitán América contó en su serie original con un compañero adolescente, Bucky, uno de los primeros ‘sidekicks’ de la historia del comic-book. El secundario permaneció muerto a nivel editorial desde los años sesenta hasta 2005, año en que Marvel lo recuperó convertido en el ‘Soldado de Invierno’. Se trataba de un agente al los rusos habían revivido y lavado el cerebro para que asesinara para algunos de sus intereses.

20- En otoño de 1946 el Capitán América y Bucky hicieron equipo con otros hombres extraordinarios en una nueva colección: “The All-Winners Squad”. Este nuevo grupo de superhéroes -que dos décadas después se relazaría a como ‘Los Invasores’- estaba formado también por la Antorcha Humana original y su ayudante Toro, Namor, el velocista the Whizzer (el Zumbador) y Miss-America.

21- En la primera época del personaje, durante la II Guerra Mundial, éste contaba con una novia, Peggy Carter. Separados en los días finales de la guerra, el amor se acabó cuando se creyó a Rogers muerto.

22-El Capitán América fue el primer personaje de Marvel Comics adaptado para otro medio. En 1944 tuvo su propio serial cinematográfico producido por el estudio independiente Republic Pictures.

23- Simon y Kirby sólo realizaron los diez primeros números de la colección del Capitán América por discrepancias con Martin Goodman, el fundador de Timely Comics.

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Han sufrido una guerra civil, una invasión de ultracuerpos extraterrestre y el mandato como jefe de seguridad de Estados Unidos de un ex duende travestido. Han tenido que mantenerse en la sombra mientras asesinos, psicópatas, ególatras amantes de la violencia y algún inquilino con bicho ocupaban su papel. Pero el boy scout americano por excelencia, Steve Rogers, ha vuelto. Y con él, una nueva y gloriosa era en la que los héroes de Marvel retomarán su papel público como sheriffs del mundo ¿Estamos a salvo los ciudadanos de a pie ante este nuevo orden? Echando un vistazo a este decálogo de escenas bochornosas de superhéroes, cuesta mucho afirmarlo.

1- El Capitán América y su técnica de distracción letal- Éste, sin duda va a ser el año del Capi. El soldado de la libertad acaba de volver a la vida, ha sido nombrado adalid del departamento de seguridad de EE.UU, el mes que viene cumplirá 70 añitos y en unos meses se estrenará su película. Pero no podemos dejar de volver la mirada a su oscuro pasado, uno en el que el Steve Rogers pasaba el rato robando coches (600, nada menos) en Roma. Para perpetrar sus actividades delictivas este experto estratega y jefe de campo de los héroes más poderosos de la Tierra usaba una táctica infalible: fingir que estaba a punto de echar la papilla. Atención del minuto 00:54 al 1.40 del siguiente clip.

2- Spidercerdo- ¿Tu amistoso vecino Spiderman? Mis cojones. En unas vacaciones audiovisuales en Turquía (’3 Dev Adam’) un cejudo y algo entrado en carnes -de tanto comer kebabs- Peter Parker se cambió de bando y se dedicó a hacer todo tipo de fechorías. El hombre araña montó un imperio del mal en plan Kingpin y entre sus múltiples perrerías se incluía la de torturar a los que se interponían en su camino con ratones a los que las corneas les gustaban más que las pipas de calabaza. Jonah Jameson was right.

3- Me llamo Iron Man y soy alcohólico- De todos es sabido que Tony Stark siempre ha tenido algunos problemillas con las bebidas espirituosas. En la película Iron Man 2 el playboy multimilloneti toca fondo y casi acaba con su tecnología, su casa, su fiel novia-asistenta y su mejor amigo de una sola borrachera. El hombre de hierro se luce pinchando como un DJ, haciéndose pis en su traje y jugando a “plato” con su rayo repulsor. La cosa acaba como las buenas juergas de verdad: de tortas con otro caballero de armadura más brillante que la suya. Lo tenéis todo del minuto 51 al 55 de este vídeo.

4- La Masa contra Maguila Gorila- Pese a ser más verde que una ensalada de blandiblú, Hulk nunca se ha categorizado por ser el mayor amante del medio ambiente. En aquella mítica serie en la que el amigo de los esteroides Lou Ferrigno interpretaba al Gigante Esmeralda, las yoyas les caían a especies protegidas semana sí, semana no. A continuación tenéis a la encarnación musculada de David Banner (lo cambiaron por Bruce porque decían que éste era un nombre demasiado gay) dándole para el pelo a un gorila, pero a osos y a perretes también les tocó lo suyo.

5- Fantástico bodorrio- Mucho antes de que Jessica Alba se convirtiera en la Mujer Invisible más ‘visible’ de la historia, Roger Corman -ese director especialista en hacer películas con cuatro perras- hacía su particular versión fílmica de la primera familia de Marvel. No os molestéis en ver esta cutrepelícula de los 4F, porque yo os destripo el final: estos obsesivos y workaholics héroes no son capaces de desprenderse de sus uniformes de faena ni el día de su boda. Atentos también al detalle del brazo de Reed Richards, que no tiene desperdicio…

6- Superman tiene peor beber que Melendi- Esto es un consejo dirigido a todos los hosteleros de España. Si un día aparece Superman en tu bar o restaurante para tomarse una caña, sé generoso con las tapas. Que te planten unos panchitos rancios para acompañar puede enfurecer a cualquiera, y si a eso sumas la presión de tener que hacerse bien el caracolillo en el pelo para que no sepan que eres Clark Kent e ir salvando el mundo con los gallumbos por encima de las mallas…Aquí tenemos al hijo de Krypton en una de las peores escenas de su carrera: completamente borracho y broncas. Vamos que al final de su ronda de chupitos, con la trompa que lleva, el hombre hasta ve doble.

7- Wonder Woman contra su doble- Quizá muchos de vosotros no os acordéis de Wonder Woman, una superheroína exuberante con poca ropa, un avión invisible y gran afición a hacer el ‘molinete’ de Bisbal. Mientras se busca a la actriz perfecta para encarnarla en su futura película (en la cual lamentablemente piensan vestirla con más ropa), resulta curioso echar la vista atrás a la serie setentera, donde Lynda Carter daba vida a una Princesa Diana que a veces actuaba de forma extraña. Aquí, la maciza la emprende nada menos que con su propia stuntwoman (doble de acción) por quitarle el protagonismo en las escenas peligrosas. Mientras, unos inocentes juguetes miran la escena consternados, especialmente un mono que toda los platillos.

8- Batman de fiesta- Cuando se dice que Batman es el señor de la noche, se dice por algo. El hombre murciélago es capaz de dejar a un lado sus responsabilidades con los ciudadanos de Gotham (y a Robin cuidando el batmóvil) por una buena fiesta, donde haya mujeres guapas y quizá alguna sustancia psicotrópica para amenizar la velada. Menudo compañero de farra sería para Iron Man y Superman este pájaro bailongo.

9- Flashy McBeal- El velocista escarlata no sólo compartía color de uniforme con Daredevil, sino también su pasión por la justicia y los tribunales. En esta secuencia vemos como el Flash de aquella serie de los noventa se ganaba un sobresueldo en los juicios express haciendo las veces de fiscal, jurado (el más rápido en dar veredictos) y también verdugo (sin especial preferencia por la horca, el cercenamiento de cabeza, etc). No os perdáis, al final del vídeo, lo que el excéntrico juez que emplea al superhéroe lleva bajo la toga.

10- Los Superamigos superplastas- El mundo de los superhéroes siempre ha estado demasiado mitificado. Nos los imaginamos volando o teleportándose con su poderes o bien usando sus punteros jets cuando tienen que hacer viajes largos. Sin embargo, la realidad es muy diferente. Como cualquier hijo de vecino, se dedican a mirar las ofertas más económicas en Ryanair para poder volar en clase turista, sin asiento asignado y al mogollón. Para colmo, son unos verdaderos maleducados con el resto de pasajeros y con las azafatas.

Nota: Sabemos perfectamente que la línea Heroic Age sólo afecta a los personajes de Marvel y que de Superman en adelante los superhéroes nombrados pertenecen a DC. Sin embargo, era un momento perfecto para hacer una recopilación de momentos verdaderamente bochornosos de nuestros chicos con capa.

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No es el día de los Santos Inocentes, ni tampoco el del fin del mundo, aunque cualquiera lo diría. Ni los mejores analistas comiqueros habrían sido capaces de adivinar que la “Casa de las Ideas” iba a ser adquirida por Walt Disney. Buen momento eligió el Capitán América para cascarla y los skrulls para largarse del planeta ante la que se nos viene encima.

La firma de fantasía se ha hecho con Marvel por cerca de 4.000 millones de dólares (unos 2.800 millones de euros), probablemente interesada por los excepcionales resultados de taquilla que han tenido sus últimas superproducciones más que por los tintes adultos que últimamente está adquiriendo la franquicia con tramas como Civil War, Secret Invasion o Dark Reign. De momento se desconoce cómo será la fusión, aunque está claro que no será buena idea que los trabajadores de la enseña de cómics se integren en las oficinas de Disney (La dramatización, justo debajo a la izquierda).

Dejando los asuntos empresariales aparte, muchos fans de una y otra compañía se estarán preguntando qué va a ocurrir con sus amados personajes. Con eso no nos referimos a la inquietud porque los superhéroes o animales antropomorfos desaparezcan del mapa o mueran trágicamente en genocidios editoriales. Está claro que ambas marcas seguirán existiendo por separado y que la casa de Mickey Mouse no meterá mano a los más de 5.000 caracteres que ha adquirido en licencias, sin embargo, muchos “what if” sobrevuelan las cabezas de los aficionados. ¿Habrá crossovers o amalgams de héroes petaos y animalejos? ¿Se unirá quizá algún personaje de la productora del fundador congelado a los Vengadores?

Las declaraciones de Walt Disney dan suficientes motivos para el acongojamiento: “Esta adquisición combina la fuerte marca global de Marvel de renombre mundial y su gran colección de personajes, entre los que se incluyen Iron Man, Spiderman, X-Men, Capitán América, Los 4 Fantásticos y Thor, con nuestras habilidades creativas”.

Una fuente que prefiere mantenerse en el anonimato ha cedido un dossier a Kekorto, donde se revelan los próximos lanzamientos que el tandem Disney-Marvel ya está negociando, en su mayoría encontronazos entre personajes. Así, antes de nada, recomendamos no seguir leyendo a internautas de corazón frágil y carácter impresionable.

-  “Namor y Ariel: amor con sabor a verdel”- El príncipe submarino y la sirena con nombre de detergente se enamoran, pero la falta de piernas de la pezguata les impide consumar su pasión. Realmente el atlante tiene mala suerte con las mujeres (indagar en su gusto por una mujer invisible que encima se fue con un tío estirado).

-  “La Bestia y la Bestia”- en este crossover no aparece Bella, pero sí animales de bellota. Interesante comic-book en el que ambas criaturas mantienen cultas conversaciones sobre protocolo en castillos y mansiones, cuidado del pelaje y defensa personal contra aldeanos y antimutis.

-  “Los Increíbles VS Los 4 Fantásticos: La familia mata”- Son las familias de superhéroes más famosas de ambas compañías, así que su enfrentamiento era previsible. Mister Increíble y Mister Fantástico luchan por desentrañar quién tiene el nombre más pomposo desde el punto de vista de eficiencia sexual, mientras sus proles se dan de tortas.

- “Capitannah Montana”- la joven Miley Cyrus ya tenía una doble identidad como triunfita para ser una pop star sin que nadie la reconociera, pero ahora adquirirá una triple como pateadora de traseros de sociedades generales de autor y resto de estafadores del negocio musical. Como coristas se le unen Dazzler y Lila Cheney.

-  “Lobezno: enemigo de los niños”- de nuevo una organización terrorista internacional ha vuelto a lavar el cerebro del mutante con más malas pulgas, reprogramándolo para que asesine a todos los individuos disfrazados de personaje de Disney en los numerosos parques temáticos. Sin embargo, el verdadero Mickey Mouse hará frente a Logan. ¿Cómo acabará la batalla? ¿Quién vencerá?

-  “Howard y Donald: ¡cómo está el pato!”-  La verdad queda aquí descubierta. La biografía que cuenta como el plumífero de tercera de Disney se infiltró en Marvel pasando a segunda escena mientras compraba acciones mayoritarias y se convertía en el verdadero artífice de la fusión. Entre sus páginas destaca la truculenta relación con su primo Donald y sus problemas de incomunicación.

Y para finalizar, dos regalitos…un vídeo para felicitar a aquellos escasos individuos a los que les alegre la idea de la compra y un dibujito de nuestro ilustrador particular, Alberto J. Silva que ve de esta forma a unos posibles Invasores versionados por Disney…¡ Rápidos lápices, compañero!

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Demasiados rascacielos, demasiados pirados en mallas y demasiada paranoia. Los hombres X han abandonado su residencia en Nueva York para tomarse unas vacaciones indefinidas en la tolerante y empinada ciudad de San Francisco. Las primeras impresiones, aquí.

Tras cincuenta años viviendo en la antigua mansión del condado de Wetchester propiedad de la familia Xavier y acometiendo reformas prácticamente cada semana (que si te voy a implantar unos arreglillos Xi-ar, que si llega un maloso y echa todo el complejo abajo, que si hay que cambiar la moqueta porque la Bestia deja mucha pelambrera…) los jóvenes talentos, ahora más talentosos que jóvenes, se mudan y nada menos que al otro lado del continente norteamericano. Allí, como no podía ser menos se montan todo un centro con las más modernas tecnologías como base, gracias a los fondos del siempre generoso Warren Worthington III. Harry, sin duda, echará de menos a su mejor cliente, ese pequeño canadiense peludo al que las cervezas le duran bastante menos que los cabreos.

Pero los X-Men son gente de costumbres y las birras son una de ellas. Así que entre las primeras cosas que han hecho nada más llegar a la ciudad de los tranvías ha sido localizar un garito donde relajarse tras las duras jornadas de salvar al mundo. Claro que el que lo regenta, es un tipo llamado Lance Alvers (Avalancha para los enemigos y lo mismo para los amigos) y de momento sólo han ido para advertirle de que sus colegas mutis están en la ciudad y que volverán si le da por ponerse a hacer temblar la tierra (¿En san Francisco? ¡No!) o a crear una “Hora feliz”.

En realidad esta no es la primera vez que la Patrulla X visita la ciudad. De hecho en la olvidable película “X-Men: La decisión final” nuestros mutis eran los responsables de cargarse nada menos que el Golden Gate y Alcatraz. Es previsible que esto, en algún momento u otro, acabe ocurriendo también en el universo de los cómics y más con la actitud ofensiva que han adoptado los discípulos de Xavier tras el día M o los enfrentamientos con los Purificadores. Poco espacio para aquello de “a enemigo que huye puente de plata”, pues. El de esta urbe es “dorado” y color rojo sangre. Si con esos tonos además te puedes escapar de una invasión verde masiva, miel sobre hojuelas.

En cualquier caso, cambiar de aires a veces no viene mal y en el pasado ya se han trasladado a la costa oeste otros grupos de superhéroes. A finales de 1984 Marvel lanza una serie limitada de cuatro números bajo el título West Coast Avengers. Ojo de Halcón, Pájaro Burlón y otros vengadores ponían el pie en un rancho de la también californiana ciudad de Los Angeles para crear un equipo occidental de los héroes más poderosos de la Tierra. Además, esta urbe es igualmente el origen del grupo de héroes por accidente, Runaways y de la organización criminal orquestada por sus malévolos padres: El Orgullo.

El traslado a la tolerante San Francisco ha supuesto también la recuperación de algunos personajes clásicos que hacían tiempo que no se dejaban ver, como una muestra del guionista por homenajear tiempos mejores. El pistoletazo de salida de este añoro lo daba Matt Fraction con un flashback ilusionista a la época hippy de la metrópoli. Tras eso, personajes dejados de la mano de Dios, como Magneto (con poderes recuperados de forma un tanto “cutre”) y Dazzler, la pop-star metida a heroína que precisamente no se dejaba ver en el primer equipo tras darle lo suyo al amo del magnetismo, justo antes de la etapa Grant Morrison.

Lo mejor, sin duda, de esta mudanza ficticia, aparte de los frikis disfrazados de X-Men que dan la bienvenida a los héroes en el cómic, son las teorías suscitadas en algunos periódicos californianos de referencia. El San Francisco Chronicle, por ejemplo, hace una comparación entre los mutantes y los homosexuales, por aquello del talante tolerante y reformista de la ciudad para con el público gay. Os recomiendo su lectura.

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