(An english version of this interview is available at Steel Raining)

Durante la pasada edición de Expocómic 2011, en Madrid, Kekorto tuvo la oportunidad de compartir unos minutos con Rick Leonardi. Dibujante de series como Capa y Puñal, Spider-Man 2099 y Superman, entre otras, Leonardi se sentó con nosotros a repasar su carrera. Desde sus primeros trabajos para Marvel, hasta la más reciente Darth Vader and the Lost Command, dentro del universo Star Wars.

Kekorto: Para empezar, queríamos que nos hablaras de tus inicios como artista.

Rick Leonardi: Mi primer trabajo… creo que el primero fue en 1980. En Thor #303

K: Thor fue tu primer trabajo profesional, pero cómo llegaste a ser dibujante?

RL: Bueno, en 1979 me gradué en la universidad y decidí que quería trabajar en la industria del cómic, así que escribí una historia, la dibujé, la entinté, añadí bocadillos y la llevé… en aquellos tiempos no había fotocopias, así que tuve que usar un proceso de reprografía muy caro, el photostat, para reducir las planchas enormes al tamaño de un comic book. Pero lo hice, porque quería que tuviera el aspecto de un cómic. Lo envié a Marvel y esperé durante meses. En Diciembre de 1979, por fin recibí una llamada de Nueva York que me decía: “No podemos saberlo. Dices que quieres ser dibujante, pero no podemos saber que clase de lápices haces, porque esto está entintado, y es muy pequeño, y tiene bocadillos de texto encima. Puede que seas un buen escritor. No lo sabemos, pero tu texto es bastante bueno”. Así que dije: “Aw!” (golpeándose la frente). Me fui a casa y dibujé tres imágenes, tres páginas a lápiz de Conan el bárbaro, posando… y eso fue todo.

K: A lo largo de tu carrera lo has dibujado casi todo. Desde Marvel a DC. Practicamente cualquier personaje…

RL: Menos Batman. Mi Moby Dick.

K: En serio? Pero hemos visto dibujos tuyos de Batman…

RL: Sí, lo he tenido en muchas de las historias que he dibujado, pero nunca en uno de sus propios títulos.

K: Lástima, porque sería genial. De modo que pasate mucho tiempo trabajando para Marvel…

RL: Más de 20 años, sí.

K: … trabajando en historias como Capa y Puñal, que tocaba temas bastante delicados para la época. Cosas como el tráfico de drogas o el abuso de menores. ¿Cómo enfocas esa clase de trabajo, como dibujante?

RL: Bueno, Bill Mantlo, el escritor, estaba estudiando Derecho en aquella época y siempre fue un hombre socialmente comprometido. Capa y Puñal… creo que siempre iba a estar enfocada en esa dirección, antes que ser la clásica aventura de superhéroes. Así que mis instrucciones como dibujante eran investigar y hacer todo eso lo más real posible: Nueva York, los callejones, los rincones oscuros. Recuerdo que solía pasear por Nueva York en aquella época. Un largo paseo atravesando Hell’s Kitchen.

K: Otro de tus trabajos más recordados es tu etapa en Spider-man 2099, como parte del universo futurista de Marvel, el 2099.

RL: Fue la temporada más larga que he pasado en un mismo título. 25 números mas la novela gráfica.

K: Cómo te involucraste en aquella serie? Parecía un proyecto complicado….

RL: Era algo complicado, pero creo que buscaban gente que se parase a pensar un poco en lo que iban a dibujar.

K: Mucho trabajo de diseño y preproducción, supongo.

RL: Exacto. Éramos cuatro equipos, para cuatro títulos distintos, reunidos en la sala de conferencias de un hotel, lejos de la oficina. Tuvimos una reunión secreta para hacer brainstorming y discutir algunas de las ideas originales y el modo en que íbamos a hacer las cosas. Creo que la idea de tener una Nueva York moderna, construida encima de la ciudad vieja, con carriles de levitación magnéticos que la recorrían de arriba abajo… creo que eso fue idea mía.

K: También se te recuerda como el creador del traje negro que Spider-Man llevaba en los 80. El que acabaría por convertirse en Veneno.

RL: Bueno, el traje negro original…. Mike Zeck hizo un boceto muy rápido para Jim Shooter, y después Jim Shooter me llamó y me dijo: “¿Puedes refinarlo? Necesitamos tres vistas. Necesitamos un modelo a partir del que puedan trabajar nuestros artistas”. Creo que no hice mucho. Separé las patas (en el logo del pecho) y les añadí una articulación más. Puede que también hiciera lo de las muñecas.

K: Preparando esta entrevista ayer, nos encontramos esta serie llamada The Rampaging Hulk donde apareces acreditado como guionista en un par de números. Háblanos un poco de ella.

RL: ¿Mi versión de la historia?

K: Sí, claro.

RL: Siempre ha existido El Increíble Hulk. La escribía Peter David y él había llevado El Increíble Hulk en una dirección nueva e interesante. Hulk había sido verde, pero ahora era gris. Antes no era listo, pero ahora era muy inteligente. ¿Recordáis? Era una lectura muy interesante, pero también muy distinta de lo que Hulk solía ser, así que creo que en Marvel dijeron: “necesitamos recuperar el modo de ser de Hulk. No vamos a cambiar a Peter David, porque Peter David… (Leonardi hace un gesto de reverencia). Así que haremos un cómic distinto llamado The Rampaging Hulk“.

Las historias serían autoconclusivas y él volvería a estar furioso y a aplastar cosas, como el antigo. Supongo que la idea era tratar de atraer a la gente a quien le gustaba el modo en que se solía comportar, en lugar de aquello en lo que se había convertido. Así que a la altura del número séis, vendíamos tantos Rampaging Hulk que la gente de The Incredible Hulk dijo: “eh, espera un momento. Nosotros haremos que nuestro Hulk involucione”, así que cancelaron nuestro título.

K: Después de mucho tiempo trabajando para Marvel, decidiste dar el salto a DC.

RL: Bueno, Marvel empezó a tener… Tuvo dificultades financieras. Su primera tanda de dificultades financieras. De repente todos esos editores de nivel medio con los que había estado trabajando se habían marchado. Despedidos. Así que yo los seguí hacia DC. Fue una época difícil.

K: Desde luego. Pero no importa si se trata de Nightwing, Batgirl o Vigilante, siempre pareces cómodo en ese tipo de historia ambientada en la ciudad. Héroes solitarios en un entorno urbano…

RL: Creo que son un tipo de historias que me vienen bien. Es verdad que son de un estilo parecido. Suelo acabar en las historias más oscuras y sombrías. Historias de callejón. En especial Vigilante. Entonces fueron muy claros: “Necesitamos a alguien que pueda hacer una historia sombría”.

K: Dado que llevas mucho tiempo trabajando en la industria, queríamos preguntarte por el modo en que han evolucionado el dibujo y los gustos de los lectores en los cómics.

RL: Bueno, hoy están pasando muchas cosas en lo que yo llamaría el lado de la postproducción, que en realidad no entiendo tan bien. Hace unos días vi un vídeo que alguien había subido a internet, con un artista español dibujando un pin-up. Había empezado a trabajar con un lápiz azul, pero me sorprendió que enseguida, antes de lo que yo lo hubiera hecho, se lo llevó al scanner y luego a Photoshop. Eso no forma parte de mi trabajo. Yo todavía… (hace un gesto de dibujar a mano)

K: Aún no te has pasado a las herramientas digitales.

RL: Sí, exacto.

K: Hace poco te hemos visto trabajar en distintos cómics basados en películas. Cosas como Aliens Vs. Predator o la miniserie Darth Vader and the Lost Command.

RL: Eso es Dark Horse. Dark Horse tiene esas licencias.

K: ¿Qué diferencias hay entre trabajar en esta clase de licencias y hacerlo en un cómic de superhéroes clásico?

RL: No es enormemente distinto, aunque cuando llevaba dos números de la historia de Darth Vader, para Star Wars, recibí algunos comentarios de Lucas (Books). Estaba haciendo esta… está esta rejilla triangular aquí (sobre la boca de Vader), y hay otra rejilla triangular aquí debajo (en el cuello de Vader). Esta estaba mal (Leonardi señala la rejilla de abajo, la del cuello). La estaba dibujando mal. Tuvimos que volver atrás y corregirlo.

K: Sigues leyendo cómics con regularidad?

RL: No, con regularidad no. Sigo a artistas concretos.

K: ¿De veras? Porque queríamos preguntarte por tus influencias, el tipo de cosas que te gustan.

RL: Bueno, de niño leía muchas reimpresiones de material muy antiguo. El Príncipe Valiente de Hal Foster, Alex Raymond, Milton Caniff, Will Eisner… todos los abuelos de los cómics. Pero el tipo que realmente llamó mi atención fue Jim Steranko. Su material para Agent of S.H.I.E.L.D. y en Capitán América. Fantástico. Un trabajo fantástico. La verdad es que él fue el primer… bueno, ya sabes, está Jack Kirby (Leonardi vuelve a hacer un gesto de reverencia cuando menciona a Kirby)… pero Jim Steranko fue el primer dibujante estrella del rock y yo pensaba “Wow, este tío es el número uno”.

K: Alguna vez has pensado en crear tus propias historias, o publicar tus propias creaciones?

RL: Bueno, supongo que tu siguiente pregunta va a ser: “¿En qué estás trabajando ahora?”. Sí, supongo que es lo que tendré que hacer. Ya sabes, Disney ha comprado Marvel y no sé en que clase de negocio están ahora. DC, como reacción a esa compra, está hecha un lío. No lo sé. No sé a quien llamar, así que es el momento de trabajar con editoriales independientes y tal vez hacer algo por mi cuenta.

K: Bueno, pues creo que eso es todo. Muchísimas gracias, Rick, y estaremos atentos a todos tus próximos proyectos.

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Ha sido un mes loco para este joven viñetista, que reconoce haber pasado de ilustrar casi cualquier proyecto para “sobrevivir” a tener que desestimar entrevistas por falta de tiempo. Quizá a bote pronto no te suene su nombre, pero seguro que has visto su vídeo, `Españistán, de la Burbuja Inmobiliaria a la Crisis´. El 15m y el despertar de la indignación general han convertido el clip en un auténtico viral en las redes sociales y el libro que hay detrás en todo un símbolo de la situación actual.

Aleix Saló es un ilustrador, pero uno de los “raros”. Prefiere que le llamen “viñetista social”, porque a eso se dedica desde hace una década. Ha publicado en El Jueves, Avui, Público y multitud de periódicos locales y es de los que cree que los caricaturistas que trabajan para los grandes diarios están demasiado acomodados y anclados desde hace unos cuantos años (y que son demasiado condescendientes con los lectores). Este barcelonés de 28 años promete aportar un soplo de aire fresco a este campo gracias a su trazo limpio y claro (pero capaz de representar las perspectivas más arriesgadas) su lápiz “afilado” y su ojo crítico.

- Tu libro, ‘Españistán: este país se va a la mierda´, se lanzó hace dos meses, con motivo del Salón del Cómic de Barcelona, pero se ha dado a conocer enormemente con todo lo ocurrido tras los movimientos del 15m ¿Cómo ha influido todo lo que ha pasado en las últimas semanas en tu ritmo de trabajo, ofertas, proyección profesional, etc?

- Se podría decir que he pasado de 10 a 100 en cuestión de dos días. Si antes el reto era estar ocupado y encontrar cualquier tipo de proyecto más o menos remunerado para ir sobreviviendo, después de la repercusión del video el reto ha sido poder atender a todo el mundo (cosa que me ha sido imposible) que acudía a mi por las diversas vías de Internet (mail, Facebook, Twitter, blogs…) También intentar ser lo suficiente agudo para seleccionar los proyectos más interesantes de las docenas de propuestas que he recibido, viéndome obligado a improvisar una nueva estrategia profesional inédita en mi vida.

- Con cerca de cuatro millones de visitas el vídeo ‘Españistán, de la Burbuja Inmobiliaria a la Crisis’ se ha convertido en uno de los mayores virales en nuestro país en las últimas semanas, con gran presencia en medios generalistas ¿Cómo surgió la idea? ¿Se te ocurrió hacerlo para acompañar y publicitar al libro desde un principio?

- Sí, la idea inicial contemplaba todo el proyecto tal como se ha llevado a delante hasta el final, teniendo siempre muy presente que podrían surgir problemas durante el camino que mermaran su éxito. Aunque increíblemente, esto último no ha sucedido en ningún momento.

- Gracias al vídeo y a la acogida de Españistán por parte de los medios ¿Cuántos canis como el protagonista del libro crees que se lanzarán a leerlo? ¿Se llenarán a partir de ahora los salones del Comic de poligoneros, además de otakus? (Risas)

- Yo más bien pienso que seran los lectores habituales de cómic los que sacarán el cani que llevan dentro. De hecho, sin ir más lejos, yo soy bastante cani.

- En alguna entrevista has dicho que para cambiar el sistema hay que hacerlo desde dentro, no siendo ajeno a él ¿Cómo puede ayudar el cómic/la ilustración/ las tiras y sobre todo alguien dedicado al negocio al cambio?

- Pues haciendo llegar la actualidad más compleja al público más amplio aprovechando el carácter directo del lenguaje visual de las viñetas.

- ¿En este país qué hace falta para que le tomen a uno en serio como dibujante?

- Aún estoy intentando descubrirlo. Y lo digo totalmente en serio, no como recurso para no compartir mis estrategias, pues al final lo que he acabado haciendo siempre es probar, probar, probar hasta que suena la flauta por casualidad.

- ¿Qué acontecimiento político o social español o mundial te gustaría poder dibujar algún día?

- Me gustaría tratar muchos temas, pero hay uno en concreto que, por imposible (debido al carácter de nuestra sociedad) se me hace especialmente tentador: Relatar la Guerra Civil desde el sarcasmo y el humor absurdo.

- En alguna ocasión has citado a Forges y al Roto como referencias ¿Tienes alguna otra en cuanto a estilo? ¿En qué ilustradores y viñetistas te fijas y a cuáles idolatras?

- También suelo nombrar a Keith Haring y a Mariscal en cuanto a estilo gráfico, y a Juanjo Sáez en cuanto a estilo narrativo.

- ¿Qué le falta a las viñetas de los periódicos españoles?

- Faltar no sé, pero les suele sobrar cierto tono de condescendencia con el ciudadano común.

- ¿Hay algún personaje público o político al que te encante dibujar o tengas especial cariño como ilustrador? ¿Hay algún otro que te dé problemas a la hora de caricaturizarlo o se te resista?

- Aznar es, ha sido y será unos de los personajes más agradecidos de caricaturizar de nuestro país. No hay más que plasmar ese peinado casco, dos cejas bien pobladas y un bigote vaciado y lo tienes exacto. Por otra parte, cada vez que dibujo a Joan Laporta me sale diferente, y ninguna de las veces me ha gustado el resultado.

- En tu exposición ‘Madrilona’ sacabas el lado más ácido a algunos tópicos sobre Madrid y Barcelona ¿Se podría decir que hay, igualmente, dos corrientes de ilustradores diferenciadas en estas dos ciudades?

- No lo creo, y menos con la movilidad profesional actual. En cambio, si que hay ciertas diferencias en los gustos culturales del público a la hora de seguir a tal o cual ilustrador.

- En tu primer libro, ‘Fill dels 80: La Generació de la Bombolla’, hablabas de la generación de jóvenes nacidos en la década de los ochenta, a la cual perteneces ¿A día de hoy cómo ves el futuro para ella? Y sobre todo ¿Cómo ves el tuyo?

- Veo un futuro en el que aquellos que lleguen a conseguir el éxito lo habrán logrado gracias a marcar sus propias reglas de juego a partir del método prueba-error. Las pautas que antiguamente regían el camino hacia el éxito simplemente ya no existen, o como mínimo se han diversificado. Y mi futuro, en ese sentido, no se diferencia del del resto de mi generación.

***Dado el éxito de la obra de Saló en las últimas semanas, en unos días se pondrá en las tiendas la segunda edición tanto ‘Españistán’ como de ‘La Generació de la Bombolla’, el primer libro del autor.

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No se define como un cazador de tendencias, pero Cristóbal Fortúnez siempre se mantiene ojo avizor, buscando a ese individuo que sobresale de los demás por su vestimenta, o que, por el contrario, calza exactamente igual que muchos otros descerebrados. Madrid es su particular jungla y tú puedes ser el espécimen elegido para que sus lápices te pongan en cautividad.

Mods, modernetes, perroflautas, emos o gafapastas, Todos tienen su particular hueco y sus ácidas palabras dedicadas en el blog Fauna Mongola, una especie de álbum de cromos de estilos de la capital que se va completando poco a poco con nuevas radiografías de los sujetos más variopintos. Pero esta no es la única incursión de Fortúnez en el tema de la moda. Toda su obra, de hecho, parece girar sobre este eje.

En la serie “Gente Normal”, por ejemplo, convierte a sus amigos en muñecos articulados y tipificados según sus hábitos y forma de vestir. Y con un toque bizarro, pero sin perder el punto fashion, encontramos “Donde viven los modelos”, en la que una tribu de yetis posa con ropa de marca, y “Ropa es poder”, donde los animales han tomado el rol dominante de los humanos y…sus trajes de faena.

Amablemente, el autor charló con Kekorto sobre Fauna Mongola, sus influencias y su trayectoria:

- ¿Cómo surgió la idea de Fauna Mongola?

- Surgió de un tirón de espalda a raíz de tratar de hacer deporte para lucir cuerpo en la playa. Convaleciente en casa de mi madre, le pedí a mi hermana que dibujara a sus amigos para que me hicieran compañía. Todos eran iguales, y pensé que yo conocía mucha gente intercambiable, pero más variada. Me pasé el día dibujando, fue muy divertido. Los textos vinieron después, me apetecía contar el por qué esa persona se había instalado en mi cabeza y cuál era mi reacción ante ella.

- ¿Por qué esa obsesión por la vestimenta en tus trabajos?

- La ropa siempre ha sido un símbolo de poder y un elemento de contención en las sociedades y es curioso que sea una manifestación cultural común a todos los pueblos. Tradicionalmente el uniforme era una forma de negar la identidad personal en favor de una identidad más abstracta y colectiva. Es muy divertido que hoy en día nos vendan la idea de que vestirnos de una determinada manera (uniformada) nos hace expresar nuestra individualidad.

¿Mi obsesión por la ropa de la gente? Digamos que es una manera muy superficial de profundizar en lo más superficial de los demás.

- ¿Qué técnica/s sueles utilizar con más frecuencia en tus ilustraciones? ¿Con qué programas trabajas habitualmente?

- Dibujo a lápiz, paso a plumilla, escaneo y Photoshop. Escaneo muchas cosas: texturas, mi propia piel, telas… Cosas que luego van ensambladas aquí y allá. Cuando el cuerpo me pide usar Illustrator me lo niego para evitar que el resultado sea “limpio”.

- De toda la gente que te has planteado retratar ¿Hay alguien que te haya llamado especialmente la atención o que no te hayas podido quitar de la cabeza? Y en el mismo sentido… ¿Alguien te ha resultado especialmente difícil de dibujar?

- Uf!, claro. Y hay algunos que aunque quiera quitarme de la cabeza, no podría hacerlo, porque coincido en todos lados con él/ella. Madrid funciona por barrios, y por barrios es un sitio pequeño. A veces es como la película esta, La escalera de Jacob, en la que el protagonista ve los mismos rostros una y otra vez, en cada esquina. Da miedito.
Difícil de dibujar, la bicicleta y el carrito de le compra. Me estoy pensando muy mucho si hacer más gente en bici.

- ¿Qué crees que dirían los susodichos si se enteran de que les has dedicado un dibujo?

- La gente se lo toma bien. A mi me parece muy raro. Algunas personas me han pedido que los dibuje. No entiendo nada. Yo soy gallego; en Galicia te pegan por eso.

“Si tuviera que hacer la Fauna Mongola de otra ciudad, la haría en Benidorm, por su extenso catálogo”

- ¿Existe alguna ‘tribu urbana’ a la que le tengas especial manía o aversión?

- No puedo con la gente que lleva cualquier prenda con el logotipo de Emporio Armani, me parece aberrante y falto de toda estética. También tengo una especial aversión hacia los Eurofans. Lo siento, chic@s, el sentido del humor no es vuestro fuerte.

- De tener la oportunidad ¿En qué ciudad diferente a Madrid pasarías una temporada para retratar su particular ‘fauna mongola’?

- La gente es igual en todos lados. Sólo cambian pequeños matices que tienen más que ver con las diferencias culturales. En ese sentido, lo que no funciona fuera de Madrid (hago extensible esto a la mayor parte del estado) son los textos, que reflejan realidades diferentes. Si tuviera que hacer otra Fauna Mongola, Benidorm podría servir de extenso catálogo.

- En tus series “Donde viven los modelos” y “Ropa es poder” retratas tipos y tendencias en mundos distópicos ¿Cómo se te ocurrieron?

- Son pequeños chistes, como Fauna Mongola. “Donde viven los modelos” pretendía ser un modestísimo homenaje a “Donde viven los monstruos”. Tiene una pequeña historia detrás que no he subido a la web. ¿Por qué un monstruo no puede ser presumido y destacar en la industria de la Moda? Estoy convencido de que un abominable ser infernal vendería trajes mejor que Carlos Baute.

“Ropa es poder” funciona como metáfora del poder de la marca y el status que esta otorga. De todas maneras, tanto una como otra eran ejercicios para clase y tampoco están demasiado desarrolladas.

- ¿Recuerdas tus inicios en el mundo del dibujo? ¿Cuándo y cómo te picó el gusanillo?

- Creo que dibujo desde que tenía tres o cuatro años, y así hasta ahora. Mis libros y libretas del colegio eran una sucesión de dragones, profesores con los pantalones bajados, demonios, dinosaurios, coches y aviones con cuernos y misiles, profesores vestidos de payasos, profesores siendo atacados por dinosaurios, pollas, logotipos de grupos, explosiones, caricaturas de mis compañeros de clase, animales devorando fotografías e ilustraciones, profesores cantando en grupos de heavy metal, profesores cantando en grupos de rap, calaveras, futbolistas hipermusculados atacando a profesores , etc. Lo siento por mis hermanos pequeños, que heredaron mis libros.

- ¿A qué autores/ilustradores admiras o son tu modelo a seguir?

- Soy de la teoría de que Los Simpsons son el equivalente a un Andy Warhol de la postmodernidad, y que en un futuro no muy lejano reconoceremos la influencia que han tenido sobre el pensamiento y la percepción de la estereotipización (¿este palabro existe?) de nuestra sociedad.

Mis dibujantes favoritos son David Hockney y Durero, pero en Fauna Mongola , en vez de intentar imitarlos (cosa imposible, por cierto) trato de desandar lo aprendido. Si tuviera que poner un ejemplo de artista que me sirva de referente en este sentido diría que David Shrigley. Su trabajo me encanta. También mola Marcel Dzama, pero casi no conozco su obra, y me perdí su última expo en Madrid, y me maldigo por ello.

“Entre mis principales influencias están David Hockney y Durero, pero trato de desandar lo aprendido en vez de imitarlos”

- ¿Tienes algún proyecto interesante a la vista? ¿Nuevas ideas? ¿Otra incursión en el mundo del `trendhunterismo’?

- Tengo ganas de retomar el dibujo a lápiz en gran formato, me lo pide el cuerpo. Por otro lado, sí estoy a punto de empezar una serie nueva, que tiene algo de relación con la ropa. En principio, además estoy abierto a propuestas y colaboraciones.

Y ya van doce ediciones. Aunque cada vez más los pasillos del Pabellón de Convenciones de la Casa de Campo se ven inundados por las nuevas generaciones de manga-adictos aún hay un sitio para los antiguos aficionados a los comics, a.k.a tebeos. Ellos, auténtico “espíritu” del noveno arte, se lanzaron al mundillo de papel sujetos a los designios de sus quiosceros, en soledad, careciendo del omnisciente Internet y sin conocer la autodenominación de “frikis”.

Doce años después de sus orígenes y un poco más tarde de lo habitual (suele celebrarse a finales de noviembre, principios de diciembre) vuelve Expocomic, la cita que reúne a todos los fans del mundillo de las viñetas. Es cierto lo que decimos más arriba y parece que la feria se haya convertido en una concentración de aficionados al manga que aprovechan las jornadas para lucir sus disfraces más estrambóticos (el domingo de hecho es el día dedicado al manga).

Lo que han cambiado las cosas en poco tiempo. Aún recuerdo cuando no hace más de un lustro, época en la que el evento se hacía en el Palacio del Conde Duque, las únicas muestras que se veían del gusto japo eran un par de “animadores” enfundados en calurosos disfraces de Doraemon y Shin Chan y algún otro merchandising de Bola de Dragón y compañía.

Pero la organización no se ha olvidado de los fans clásicos, no señor. El programa esta edición viene cargadita de figurines. Algunos firmarán y nos deleitarán con algún dibujito para el recuerdo personal y otros hasta nos darán clases magistrales. Entre los primeros ya incondicionales de la feria como Purita Campos, Azpiri, Pasqual Ferry y Mark Buckingham y algunas caras nuevas como Salva Espín, Juan Giménez, Mauro Entrialgo y David Aja. Los profes serán Luis Royo, Tim Sale, Adi Granov, Barry Kitson y Lewis Trondheim.

Tampoco faltarán los charlas, las proyecciones de cortos y otras actividades como la entrega de premios Expocomic. Mucha tela sin embargo para un espacio tan reducido. La gente del mundillo lleva tiempo diciéndolo: se haría necesaria una sede más grande donde las conferencias (escasas en esta ocasión), las exposiciones y los talleres pudieran tener su propia “independencia” y no estar mezclados con el bullicio de los transeúntes comiqueros y los stands.

No obstante, Kekorto estará presente en el “Salón” e intentará traerse, además de montañas de cómics, un material jugoso jugoso.

Aquí puedes consultar más cositas de Expocomic 2009, como:

- El cartel oficial.

- El horario de las actividades.

- La lista de los premiados.

- La relación de autores invitados.

Los ilustradores que comienzan a dar salida a su arte a través de las camisetas se multiplican día a día. Difícil encontrar a uno tan bueno como Glennz. Quizá si has estado en el mercado londinense de Candem o frecuentas tiendas de ropa “alternativa” hayas visto prendas con su sello. Los diseños de este neozelandés son frescos, coloridos, originales y contienen referencias constantes a la cultura popular con un humor muy particular.

Una sopa de champiñones con pitufos muertos, Ronald McDonald comiendo pizza, un zombie andando sobre una cinta de gimnasio, un avión tirando piezas del Tetris…Estoy de acuerdo. Así contado pierde su gracia. Pero es que el arte de Glenn Jones, o Glennz, (como prefiere que lo llamen) se fundamenta en la metáfora visual, en la broma gráfica.

Su sentido del humor resulta accesible a todos porque remite a elementos del imaginario colectivo tradicionales, pero también a otros actuales. Los personajes de películas y las series son muchas veces los protagonistas de sus creaciones, pero también hay un hueco para las nuevas tecnologías o los hechos cotidianos. Aunque no reconoce ninguna influencia de otros autores si achaca su creatividad a la propia cultura popular.

“Generalmente las mejores ideas me vienen cuando no estoy tratando de pensar en buscarlas. Puedo conseguir la inspiración de cualquier lugar. Me gusta aprovechar la cultura pop y darle un giro original”.

Este diseñador gráfico e ilustrador freelance nacido en Auckland (Nueva Zelanda) inició sus pasos en la industria en un periódico y ha pasado la mayor parte de su carrera orientado a los envases y a la identidad corporativa. Hace pocos años entró en el negocio de las camisetas como un hobby y, gracias a su originalidad, las cosas le han ido viento en popa, por lo que ha acabado dedicándose casi de pleno a este negocio.

No son sólo las buenas ideas lo que resulta atrayente de sus dibujos. El carácter simple de sus conceptos y los colores vivos llaman poderosamente la atención. La sencillez viene definida en parte por el gusto de Glennz por el Illustrator y las imágenes vectoriales.

“ Creo que desde el principio he disfrutado de la frescura de las imágenes vectoriales y la capacidad de volver atrás y cambiar la línea y el color. En cuanto a herramientas la pluma es casí la única que uso. Las curvas Bezier permiten la posibilidad de refinar y mejorar el trazo fácilmente”.

En la página de Glennz puedes echar un vistazo a sus ilustraciones, y encargar además de sus camisetas, sus calendarios y protectores para portátiles. El artista dispone también de una sección donde muestra diseños nuevos y pide opinión para saber si son “dignos” de incluirse en una prenda.

Solo una teleoperadora podía escuchar cosas como estas todos los días.

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