La línea que separa el diseño del merchandising freak es cada día más estrecha. Especialmente desde que somos los niños de los 70 y 80, criados con el Mario Bros y El Equipo A, los que nos convertimos en target directo de las campañas publicitarias, por edad y capacidad adquisitiva. ¿Quién no soñó con tener acceso a material de coleccionista sin tener que entrar en una oscura y maloliente tienda de cómics? ¿Y poder comprar una silla de Kartell en el mismo sitio? La Bauhaus, en Andorra la Vella (Andorra), cruza esa línea con todas sus consecuencias.

La idea no es nueva, son muchas las tiendas en Madrid y Barcelona que suavizan el concepto de la subcultura y le dan un valor artístico añadido. La diferencia es que en La Bauhaus esta mezcla llega incluso a los muebles y la decoración, porque aparte de merchandising freak y regalos originales (algo en lo que se queda el Vips) venden mobiliario, decoración y menaje, hasta tal punto que puedes decorar tu casa, desde las sillas hasta los playmobil gigantes para convertirla en una “declaración de principios” sin moverte de la misma tienda.

Otra diferencia básica con respecto a otras tiendas de su estilo es que La Bauhaus ha hecho el camino tradicional (de tienda física a tienda online), algo que tiene su mérito, cuando es más habitual encontrar primero el hueco de mercado en internet y pasar luego a poner tiendas física cuando ya te has ganado a un público que comparte la red como forma de vida (como le ocurrió a Curiosite). Quizá porque Andorra hace frontera directa con el resto de Europa, el riesgo de considerar la subcultura de los 80 con la importancia que se merece desde el punto de vista estético, desaparece en La Bauhaus. Con una exposición cuidadísima y una iluminación al detalle, es un paraíso para freaks y diseñadores difícil de describir, por eso os hemos montado un pequeño vídeo para que os den ganas de salir del país.

La Bauhaus
C/ Bonaventura Armengol 11
AD500 Andorra la Vella (Andorra)
Tienda online: http://baubuy.ad/

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Los ilustradores que comienzan a dar salida a su arte a través de las camisetas se multiplican día a día. Difícil encontrar a uno tan bueno como Glennz. Quizá si has estado en el mercado londinense de Candem o frecuentas tiendas de ropa “alternativa” hayas visto prendas con su sello. Los diseños de este neozelandés son frescos, coloridos, originales y contienen referencias constantes a la cultura popular con un humor muy particular.

Una sopa de champiñones con pitufos muertos, Ronald McDonald comiendo pizza, un zombie andando sobre una cinta de gimnasio, un avión tirando piezas del Tetris…Estoy de acuerdo. Así contado pierde su gracia. Pero es que el arte de Glenn Jones, o Glennz, (como prefiere que lo llamen) se fundamenta en la metáfora visual, en la broma gráfica.

Su sentido del humor resulta accesible a todos porque remite a elementos del imaginario colectivo tradicionales, pero también a otros actuales. Los personajes de películas y las series son muchas veces los protagonistas de sus creaciones, pero también hay un hueco para las nuevas tecnologías o los hechos cotidianos. Aunque no reconoce ninguna influencia de otros autores si achaca su creatividad a la propia cultura popular.

“Generalmente las mejores ideas me vienen cuando no estoy tratando de pensar en buscarlas. Puedo conseguir la inspiración de cualquier lugar. Me gusta aprovechar la cultura pop y darle un giro original”.

Este diseñador gráfico e ilustrador freelance nacido en Auckland (Nueva Zelanda) inició sus pasos en la industria en un periódico y ha pasado la mayor parte de su carrera orientado a los envases y a la identidad corporativa. Hace pocos años entró en el negocio de las camisetas como un hobby y, gracias a su originalidad, las cosas le han ido viento en popa, por lo que ha acabado dedicándose casi de pleno a este negocio.

No son sólo las buenas ideas lo que resulta atrayente de sus dibujos. El carácter simple de sus conceptos y los colores vivos llaman poderosamente la atención. La sencillez viene definida en parte por el gusto de Glennz por el Illustrator y las imágenes vectoriales.

“ Creo que desde el principio he disfrutado de la frescura de las imágenes vectoriales y la capacidad de volver atrás y cambiar la línea y el color. En cuanto a herramientas la pluma es casí la única que uso. Las curvas Bezier permiten la posibilidad de refinar y mejorar el trazo fácilmente”.

En la página de Glennz puedes echar un vistazo a sus ilustraciones, y encargar además de sus camisetas, sus calendarios y protectores para portátiles. El artista dispone también de una sección donde muestra diseños nuevos y pide opinión para saber si son “dignos” de incluirse en una prenda.

Era cuestión de tiempo. Francia se prepara para abrir el debate sobre el retoque fotográfico y su gobierno estudia añadir advertencias junto a aquellas fotografías de moda (de momento solo hablan de la moda) que hayan sido retocadas con Photoshop. El Parlamento se ha propuesto combatir lo que consideran “una imagen deformada de los cuerpos de las mujeres” (y de los hombres, diría yo), y propone que las imagenes tratadas incluyan, de ahora en adelante, la etiqueta: “Fotografía retocada para modificar la apariencia física de una persona”.

Photoshop apareció en 1987 de la mano de los hermanos Knoll, Tomas y John. Desde entonces se ha convertido en el sofware predilecto de la mayoría de profesionales de todos los campos de la imagen y es el producto estrella de la compañía Adobe Systems. Pero si bien es verdad que Photoshop es la herramienta más popular, no es la única. El retoque de fotografías tiene una historia dilatada que empieza mucho antes de la invención de las computadoras, cuando las cosas se hacían con tijeras y pegamento.

Lo que más me sorprende de este asunto es que el tanto el Parlamento francés como el propio mundo de la moda dan por hecho que nos las están metiendo dobladas. Gracias por su advertencia señores parlamentarios, pero hace mucho que funcionamos desde el supuesto de que TODAS las imagenes publicitarias (y algunas de las otras) están retocadas. Es más, la experiencia nos dice que la gente de verdad -la de hoy, no la del antiguo testamento- tiene pezones, por ejemplo. Y ombligo.

¿De verdad piensan que no nos estamos dando cuenta? Ya no se trata de que esten dando una imagen idealizada de los cuerpos, es que se da una una imagen deforme. Malformada, vaya. Párate delante de la estantería del kiosko y contempla el museo de fetos contrahechos. Las cabezas globo ganan por goleada, seguidas por las caretas torcidas y las torsiones de cuello imposibles. ¡Mucho mejor, dónde va a parar! Os remito a Photoshop Disasters para echar unas risas. El muestrario es interminable y desafía la lógica y el sentido común. Ya no se trata de pedir responsabilidad, sino cordura.

Hace poco me sorprendió encontrarme una fotografía en una revista de una chica con venas en el cuerpo. Suena estúpido, pero no lo es. Os reto. Coged una revista cualquiera y buscad. Subían por sus muslos, por su pecho y su cuello. Era guapa y tenía venas azules. Me sentí avergonzado de que aquello me hubiera llamado la atención. Genial, tío. Sangre en las venas. Qué novedad.

Aunque admitámoslo, todos somos culpables de querer ser perfectos, ¿no? Siguiendo el ejemplo de los medios y la publicidad, ahora incluso las fotos de las vacaciones vienen retocadas. A veces me piden que lo haga, que borre un cable de teléfonos aquí o unos andamios por allá. Yo me resisto y trato de explicar que no me gusta hacerlo porque hasta el más pequeño retoque es mentira. Que hay una diferencia entre lo que es bonito y lo que es verdadero. Pero es que es tan facil… puedo borrar el cable que tapa la torre Eiffel, y ya que estamos puedo convertir aquel día de lluvia en una mañana soleada. Y ponerte un novio francés al lado. Cortar cable > pegar novio > Clonar cielo y listo. Gracias por comprar en Memory Call.

¿Dónde deja un retoque de ser una corrección técnica para convertirse en una deformación frívola y caprichosa? Y más dificil todavía, ¿cuál es el número de clicks que separa realidad de ficción? Photoshop no es sólo ese software mentiroso que se empeña en adelgazar a todos para que tú estes más gordo en comparación. También sirve para dibujar o pintar, para dar alas a la imaginación. Nuevos artistas digitales dan forma a lujosas fantasías fotorrealistas cuidadas hasta el último detalle. Desde la página en blanco donde no había nada. ¿También ellos tendrán que poner una advertencia? Algo como: “imagen retocada para modificar la apariencia física de una persona y hacerla parecer un adorador de Cthulhu, el famoso -si bien ficticio- monstruo abisal”.

Me pongo en modo cabrón y se me ocurre una forma facil de saltarse esta nueva ley: prescindir de las modelos. Y de los fotógrafos, ya de paso. Porque si no hay nada que retocar no hay retoque, ¿no? Vamos a hacerlo todo en 3D y si no queríais caldo ahí tenéis dos tazas. Tetas poligonales a la medida del cliente. Paquetes de software que cargan a izquierda o derecha deslizando un botón. Predigo que en futuro todos viviremos frustrados por no tener anti-alias en el culo como Aki Ross. ¿Sería grotesco, verdad? ¿Y lo de ahora no lo es?

Cada vez hay más personas que utilizan Photoshop, cada vez más y más retoque. Cada vez peor. Ninguno hemos nacido aprendidos, es verdad. Todos hemos metido el famoso filtro del brillo de lente alguna vez, a palo seco. Pero es que eso es lo más difícil de aprender con Photoshop, que el brillo de lente es caca. Que hay que “dejar de hacer”.

Suerte que todos tenemos a ese amigo que nos pone los pies en la tierra cuando proclama ufano que le vuelven loco los panderos enormes; o conocemos a esa chica que reconoce con vergüenza que le ponen los hombres peludos y calvos. Esas son las reglas que rigen el mundo de la gente de verdad. Caóticas e impredecibles. Por fortuna todos tenemos un poco de eso y por fortuna Ctrl+Z.

Calvin, un niño pequeño con mucha imaginación y su tigre antropomorfo de peluche Hobbes comparten nombre con dos grandes pensadores de la humanidad. No por nada se trata de una serie de tiras cómicas que invita a leer y releer una y otra vez para no desperdiciar ninguna de las reflexiones que su autor, Bill Watterson, filtra en cada línea de diálogo. Una obra con éxito de la que ya no se publicará nuevo material, un bolazo de nieve en la cara de los aficionados y un paseo en trineo para los coleccionistas.

Justo cuando estaba pensando en escribir un kekorto sobre “Calvin & Hobbes”, encuentro un artículo en Zona Fandom sobre la preparación de un documental del autor de estas tiras cómicas, Bill Watterson, y su obra. Originalmente publicadas en prensa, actualmente están totalmente en vigor ya que se reeditan constantemente en forma de álbum y sus temas nunca pasarán de moda.

Teaser from DMW on Vimeo.

A la gente le encanta la serie. Todo el mundo se queda prendado de la audacia gráfica, la relevancia crítica de los textos y esa improvisación calculada que respira el conjunto.

Los conocedores de la serie están de acuerdo en que se trata de una de las series de cómicas imprescindibles del siglo XX. Popular en todo el mundo, en España Calvin no comparte ese halo de universalidad que si tienen otros compañeros de profesión como pueden ser Snoopy o Mafalda.

Una de las razones de su “exclusividad” radica en el poco merchandising oficial de los personajes. Recuerdo que cuando quise poner un póster de Calvin & Hobbes en mi habitación tuve que copiar yo mismo una tira cómica dibujando cada viñeta en un A4 y pegándolas entre si.

Quizá porque de la mesa de dibujo de Watterson sale oro puro, se trata de un hombre al que no se puede comprar. Raro en los tiempos que corren, Watterson, un hombre con principios, decidió poner fin a la andadura de Calvin en 1995 y desde entonces no publica nuevas tiras cómicas. Ni le interesaba ni quería gestionar la explotación comercial de Calvin & Hobbes. Si se han leído más de diez tiras al azar nos damos cuenta de que convertirse en prostitutas de la cultura popular no encaja con la forma de vida de los “hijos” de Watterson.

Esta obra, causo un gran impacto en sus primeros diez años de vida, en admiradores y en otros autores y ha hecho avances que han propiciado la evolución de las conocidas como comic-strips.

Espero que este documental haga entender, no sólo a la obra sino también al autor a los seguidores de siempre y a los que están por llegar. Si queréis podéis enviarle una ayudita económica al director de la cinta, por ahora los gastos corren de su cuenta.

Diseñadores anónimos se esfuerzan cada día por añadir ojos y bocas sonrientes a cualquier tipo de objeto. Aunque no sea necesario.

Hace unos días me reecontré con un objeto que creía perdido, un sobre de azúcar de un restaurante chino.  Desde esta pequeña ventana un grupo conjunto de ojos decían estar muy agradecidos por mi visita.  Esos ojos despertaron un recuerdo de mi infancia, “Los Fruittis”. Aquella serie de dibujos de producción española en la que se daba un nuevo significado a la palabra bucle. Para el que no la conozca, significó para muchos el paso a la edad adulta, al darnos cuenta que los dibujos animados podían estar mal hechos.

Fruittis intro.

Está claro que  esta serie tuvo mucha importancia en el mundo del diseño. Una nueva generación de grafistas se formó viendo este tipo de productos. De este modo cualquier objeto era susceptible de ser dotado de personalidad añadiéndole unos ojos y una boca sonriente. Se ha difundido tanto la generación de diseñadores “Mr. Potato”, que en España ha tenido más influencia que la Bauhaus. Nadie podía contenerse si de este modo se conseguía ser un poco más gracioso o más cachondo (con un porro en una boca voladora el diseño se convertía en la risión).  Por favor amigos, sed cuidadosos en vuestros chistes gráficos, a algunos de nosotros esos ojos nos producen un miedo atávico. Y para muestra un botón, fijaos en el cuerpo del delito.

El azucarillo maldito

Pdt; he sido sometido a una fuerte presión para completar este Kekorto. Ruego dejen críticas y súplicas en los comentarios.