El viernes el chef recogerá el mantel de El Bulli, pero en breve todos sus conocimientos podrán encontrarse, disfrutarse, probarse y cuestionarse en el macroproyecto digital ebullifoundation.com. En Campus Party Valencia, Adriá ha dejado un aperitivo del mismo, revelando sus principales trucos para estimular su creatividad e innovar en los fogones.

Asistir a una conferencia del maestro Ferrán Adría a las 2 de la tarde (en la que uno a uno ves desfilar todos sus platos) y luego comer un menú de zafarrancho en Campus Party Valencia no tiene precio. Entender la forma de hablar de este genio antes de sus primeros 20 minutos de charla, tampoco.

Desde hace casi medio año se sabe que el archiconocido cocinero tiene previsto echar el cierre a su popular restaurante El Bulli. Aunque el propio Adriá aseguraba en enero que la clausura no era permanente y que sólo se trataría de dos años sabáticos, finalmente el cocinero tomaba esta –para muchos- triste decisión un mes más tarde tras hablar con su socio Julio Soler.

Parece que el visionario Miguel Noguera tenía algo de razón cuando teorizaba en su libro Ultraviolencia que dentro de la cocina de El Bulli estaría el agujero más profundo del mundo. Era un concepto imaginario del monologuista, pero por ese hueco se habría ido mucho dinero, llevando al local a registrar pérdidas anuales de medio millón de euros. Estos números no serían consecuencia de la falta de afluencia, todo lo contrario. El Bulli, merecedor de numerosos galardones y altas calificaciones por las guías hosteleras más prestigiosas, había llegado al punto de imponer un “ritmo bestial” a su plantilla, con “una lista de espera de 3.000 personas”, explicaba Adriá en una entrevista a The New York Times.

Adriá está trabajando mano a mano con Telefónica para crear una fundación privada que también será abierta y digital. Se trata de un proyecto en el que ya ya habría 30 personas involucradas a nivel tecnológico y que ha sido definido por el chef como “una pequeña revolución social”. 80 millones de cocineros de todo el mundo podrán trabajar entre fogones virtuales, acceder a las teorías y recetas de El Bulli Foundation, experimentar y compartir.

Para ir proporcionando un piscolabis de este basto recetario de cocina creativa, el Adriá dio en Valencia una clase magistral en la que explicó punto por punto los fundamentos de su particular estilo. Sacad papel y lapiz y comenzad a anudaros el delantal.

Podría decirse que Ferrán Adriá es, en parte, un discípulo tardío de Kandinsky. Para él, cada sabor puede estar asociado con un color, con un número, con un sonido, con un elemento de la naturaleza… Este ecosistema equivalente permitiría jugar con diferentes estímulos de muchas formas, mezclando conceptos o bien cambiando sus estados.

1. - Lo autóctono como estilo- Aprovechar la tradición culinaria, el entorno para marca tendencias. Recuperar y reinventar la cocina clásica, dándole entidad.
2. - Influencia de otras cocinas y culturas- Conocer cómo se cocina y se come en otras países. Japón, India, Francia…. Hay que estar abierto a la cocina de cualquier parte del mundo
3. - Búsqueda técnico- conceptual- Como en cualquier disciplina creativa lo importante es partir de una idea, de un concepto, y darle forma. Hay que buscar nuevos conceptos que permitan líneas de desarrollo innovadoras.
4. - Los sentidos como punto de partida
5. - El sexto sentido- Usar el sentido del humor, la ironía, la transgresión. Echar por tierra eso de que “con la comida no se juega”.
6. - Simbiosis mundo dulce/salado- “¿Hay algo más dulce que una hamburguesa con Ketchup y acompañada con coca-cola”. Romper con los tabúes de que estos dos sabores no se deben mezclar. Al contrario, su maridaje puede ser muy satisfactorio. Ejemplo: Melón con jamón.
7. - Una nueva manera de servir la comida- Nuevos formatos de presentación, recipientes. - Cambio en la estructura de los platos- Jugar con la estructura tradicional del primero, segundo y postre. Hacer primeros que parezcan postres y viceversa. Ejemplo: Flan de foia.
8. - Asociación- Unir elementos muy diferentes o muy opuestos, asociar ideas de distintos campos.
9. - Inspiración- Las referencias gastronómicas pueden encontrarse en cualquier parte: en el arte, en la naturaleza…
10. - Adaptación
11. - Deconstruccción/ Reconstrucción- Dividir los ingredientes de los platos, para que se pueda identificar su presencia y apreciar más. Conjuntos que se ven separados en elementos.
12. - Minimalismo- Platos muy elaborados, pero en pequeñas cantidades. Sabores concentrados en las más mínimas esencias.
13. - Sinergia

El chef explica cómo se gesta la personalidad de un cocinero o una escuela de cocina: “Los productos, técnicas y conceptos serían las letras. Al juntarlas surgirían platos, que funcionarían como palabras. Al crear muchos platos se constituiría un estilo, las frases de un enunciado culinario”.

Ha sido un mes loco para este joven viñetista, que reconoce haber pasado de ilustrar casi cualquier proyecto para “sobrevivir” a tener que desestimar entrevistas por falta de tiempo. Quizá a bote pronto no te suene su nombre, pero seguro que has visto su vídeo, `Españistán, de la Burbuja Inmobiliaria a la Crisis´. El 15m y el despertar de la indignación general han convertido el clip en un auténtico viral en las redes sociales y el libro que hay detrás en todo un símbolo de la situación actual.

Aleix Saló es un ilustrador, pero uno de los “raros”. Prefiere que le llamen “viñetista social”, porque a eso se dedica desde hace una década. Ha publicado en El Jueves, Avui, Público y multitud de periódicos locales y es de los que cree que los caricaturistas que trabajan para los grandes diarios están demasiado acomodados y anclados desde hace unos cuantos años (y que son demasiado condescendientes con los lectores). Este barcelonés de 28 años promete aportar un soplo de aire fresco a este campo gracias a su trazo limpio y claro (pero capaz de representar las perspectivas más arriesgadas) su lápiz “afilado” y su ojo crítico.

- Tu libro, ‘Españistán: este país se va a la mierda´, se lanzó hace dos meses, con motivo del Salón del Cómic de Barcelona, pero se ha dado a conocer enormemente con todo lo ocurrido tras los movimientos del 15m ¿Cómo ha influido todo lo que ha pasado en las últimas semanas en tu ritmo de trabajo, ofertas, proyección profesional, etc?

- Se podría decir que he pasado de 10 a 100 en cuestión de dos días. Si antes el reto era estar ocupado y encontrar cualquier tipo de proyecto más o menos remunerado para ir sobreviviendo, después de la repercusión del video el reto ha sido poder atender a todo el mundo (cosa que me ha sido imposible) que acudía a mi por las diversas vías de Internet (mail, Facebook, Twitter, blogs…) También intentar ser lo suficiente agudo para seleccionar los proyectos más interesantes de las docenas de propuestas que he recibido, viéndome obligado a improvisar una nueva estrategia profesional inédita en mi vida.

- Con cerca de cuatro millones de visitas el vídeo ‘Españistán, de la Burbuja Inmobiliaria a la Crisis’ se ha convertido en uno de los mayores virales en nuestro país en las últimas semanas, con gran presencia en medios generalistas ¿Cómo surgió la idea? ¿Se te ocurrió hacerlo para acompañar y publicitar al libro desde un principio?

- Sí, la idea inicial contemplaba todo el proyecto tal como se ha llevado a delante hasta el final, teniendo siempre muy presente que podrían surgir problemas durante el camino que mermaran su éxito. Aunque increíblemente, esto último no ha sucedido en ningún momento.

- Gracias al vídeo y a la acogida de Españistán por parte de los medios ¿Cuántos canis como el protagonista del libro crees que se lanzarán a leerlo? ¿Se llenarán a partir de ahora los salones del Comic de poligoneros, además de otakus? (Risas)

- Yo más bien pienso que seran los lectores habituales de cómic los que sacarán el cani que llevan dentro. De hecho, sin ir más lejos, yo soy bastante cani.

- En alguna entrevista has dicho que para cambiar el sistema hay que hacerlo desde dentro, no siendo ajeno a él ¿Cómo puede ayudar el cómic/la ilustración/ las tiras y sobre todo alguien dedicado al negocio al cambio?

- Pues haciendo llegar la actualidad más compleja al público más amplio aprovechando el carácter directo del lenguaje visual de las viñetas.

- ¿En este país qué hace falta para que le tomen a uno en serio como dibujante?

- Aún estoy intentando descubrirlo. Y lo digo totalmente en serio, no como recurso para no compartir mis estrategias, pues al final lo que he acabado haciendo siempre es probar, probar, probar hasta que suena la flauta por casualidad.

- ¿Qué acontecimiento político o social español o mundial te gustaría poder dibujar algún día?

- Me gustaría tratar muchos temas, pero hay uno en concreto que, por imposible (debido al carácter de nuestra sociedad) se me hace especialmente tentador: Relatar la Guerra Civil desde el sarcasmo y el humor absurdo.

- En alguna ocasión has citado a Forges y al Roto como referencias ¿Tienes alguna otra en cuanto a estilo? ¿En qué ilustradores y viñetistas te fijas y a cuáles idolatras?

- También suelo nombrar a Keith Haring y a Mariscal en cuanto a estilo gráfico, y a Juanjo Sáez en cuanto a estilo narrativo.

- ¿Qué le falta a las viñetas de los periódicos españoles?

- Faltar no sé, pero les suele sobrar cierto tono de condescendencia con el ciudadano común.

- ¿Hay algún personaje público o político al que te encante dibujar o tengas especial cariño como ilustrador? ¿Hay algún otro que te dé problemas a la hora de caricaturizarlo o se te resista?

- Aznar es, ha sido y será unos de los personajes más agradecidos de caricaturizar de nuestro país. No hay más que plasmar ese peinado casco, dos cejas bien pobladas y un bigote vaciado y lo tienes exacto. Por otra parte, cada vez que dibujo a Joan Laporta me sale diferente, y ninguna de las veces me ha gustado el resultado.

- En tu exposición ‘Madrilona’ sacabas el lado más ácido a algunos tópicos sobre Madrid y Barcelona ¿Se podría decir que hay, igualmente, dos corrientes de ilustradores diferenciadas en estas dos ciudades?

- No lo creo, y menos con la movilidad profesional actual. En cambio, si que hay ciertas diferencias en los gustos culturales del público a la hora de seguir a tal o cual ilustrador.

- En tu primer libro, ‘Fill dels 80: La Generació de la Bombolla’, hablabas de la generación de jóvenes nacidos en la década de los ochenta, a la cual perteneces ¿A día de hoy cómo ves el futuro para ella? Y sobre todo ¿Cómo ves el tuyo?

- Veo un futuro en el que aquellos que lleguen a conseguir el éxito lo habrán logrado gracias a marcar sus propias reglas de juego a partir del método prueba-error. Las pautas que antiguamente regían el camino hacia el éxito simplemente ya no existen, o como mínimo se han diversificado. Y mi futuro, en ese sentido, no se diferencia del del resto de mi generación.

***Dado el éxito de la obra de Saló en las últimas semanas, en unos días se pondrá en las tiendas la segunda edición tanto ‘Españistán’ como de ‘La Generació de la Bombolla’, el primer libro del autor.

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El día 25 de mayo, pero de 1977, se estrenaba Star Wars, así a secas y sin el subtítulo moñas de “Una nueva esperanza”. Es una fecha histórica para el cine y también para los fans de la saga, que no hace demasiado erigieron la jornada para celebrar el Día del Orgullo Friki. Con el fin de homenajear a este colectivo -ya casi elevado a tribu urbana- en el que los miembros de Kekorto nos vemos incluidos por motivos obvios, hemos decidido hacer un repaso a lo que ya es todo un subgénero del frikismo audiovisual: ¡los vídeos con sables láser!

1- Star Wars Kid- Un garaje, una manta en el suelo y un niño bastante torpe y odioso que mueve un palo de la fregona como si estuviera espantando un nido de avispas. Si el vídeo era bueno sin efectos especiales, consiguió convertirse en obra maestra cuando a alguien se le ocurrió la entrada del sable láser en escena.

2- Leia estos informes y-En más de una ocasión has deseado darle a tu compañero de trabajo hasta en el carnet de identidad. Nada de quebrantables nudillos, ni suaves corchopanazos. Estos dos oficinistas londinenses han pedido unos sables láser para resolver sus diferencias, como buenos hermanos. Curioso porque el autor del vídeo lo ideó en principio para promocionar un departamento donde él trabajaba.

3- El abuelo contraataca- De la fauna urbana más descorazonadora nos trasladamos al entorno rural más salvaje. Hasta la Francia más profunda también han llegado estos objetos que lo mismo valen para discutir con el vecino que para esquilar ovejas. Las cachabas han muerto, larga vida a las cachabas.

4- Street Wars- Las peleas callejeras siempre acaban mal. La cosa empieza con una banda contra a otra a puño descubierto, hasta que alguien saca un arma y la historia se cierra de forma trágica.

5- ¿Tonterías las justas?- No, las justas no son ninguna tontería y menos cuando hay dos espadas láser de por medio. En pleno bosque de Endor, el caballero sith negro aguanta todo lo que le echen…y le cercenen.

6- Canakin Skywalker- ¿Qué los animales no serían capaces de usar un sable láser? Piensa en esa pequeña y arrugada rana saltarina llamada Joda y vuelve a hablar. En este caso, tenemos los primeros pasos de un perrete con la herramienta de luz. Después de que su amo le instruyera en las nobles artes jedis de recoger el periódico y traer las zapatillas, el chucho aprendió a cortar el césped a fuerza de… Fuerza.

7- Darthmatic Chipmunk- Quizá instruida por el perro del clip anterior (Obi Can Kenobi para los amigos), la famosa ardilla dramática también se inició en el manejo del sable láser, volviéndose incluso más dramática que antes. Aunque lo mueve con soltura, su punto fuerte dentro de las técnicas Jedi sigue siendo la de la mirada persuasiva.

8- Sin raquetas- Este tipo de gadgets está abandonando poco a poco su mala prensa como armas mortales y ya habría conseguido penetrar en el mundo lúdico y deportivo. Aquí, el primer partido de darthmington de la historia.

9- La vieja guardia… imperial- Un corto que lo tiene todo: ¡Odio! ¡Amor! ¡Madurez interpretativa! ¡Dentaduras postizas! ¡Las playas de Benidorm de fondo! Esto es como el blog de Águeda, pero en versión georgelukera.

10- Padawans en Toys ‘R’ US- De la Tercera Edad retrocedemos hasta la edad púber. Estos tiernos jovenzuelos se enfrascan en una colosal batalla con dos sables en plena tienda de juguetes. No hay SFX, pero el curro que tiene la coreografía y su coraje para seguir con la pelea pese a las broncas de los encargados, merecen que los recojamos en esta selección.

Perdidos. Parece mentira, pero hace ya doce meses que nos pegamos el gran madrugón con la esperanza de que los guionistas pusieran una puntilla decente a este rompecabezas sci-fi de Robinsones. Decepcionados por no cerrar todas las tramas y misterios, indignados por los asíncronos subtítulos, sorprendidos al saber que nos habíamos perdido seis minutos y descojonados de la risa, cuando vimos a Ana García Siñeriz y sus comentaristas hablando de un “Jack tumbado con un perro”. Así fue el principio del fin.

Quizá parezca que todo sigue igual, que nada ha cambiado desde entonces. Pero amigos, las cosas son hoy muy diferentes. Tan sólo pensad por un momento que en vez de grabar seis temporadas de Lost se les hubiera ocurrido extender la serie hasta siete. Si en su día os pareció mal este análisis cutresalchichero que hicieron estos autoproclamados fanboys de los losties de Cuatro ¿Os imagináis cómo habría sido el especial a fecha de hoy, con la línea editorial de Telecinco invadiendo la parrilla de la cadena de Prisa?

No hay que ser la señora de pelo blanco de los flashbacks de Desmond para inferir que el omnipresente Jorge Javier Vázquez se habría reunido con su corte de tertulianos en un programa especial con el fin de hacer agudos comentarios sobre el episodio final. Después de todo ‘Sálvame’ es un nombre con mucho gancho para un espacio dedicado a despellejar a grupo de supervivientes de una isla ‘desierta’. Coto Matamoros apoyaría la causa de John Locke por identificación alopécica pero no negaría que “¡Está actuando, desempeñando un papel!”. Belén Esteban sería pro-Jack, hasta que en pleno directo alguien le aclararía que el doctor era cirujano de columna, no plástico. Las antipatías de la Princesa del Pueblo, de todas maneras, se dirigirían a Sawyer, el timador.”¡Me recuerda a la Campanario, que engañó a los españoles con sus pensiones de invalidez falsas”, comentaría la tertuliana. Respecto a Carmele Marchante, no se habría enterado de nada, pero apoyaría al defenestrado Charlie, como ella, músico frustrado y con una sóla canción conocida en su lista de greatest hits.

El argumento de este final chapter también habría evolucionado hacia otros caminos muy distintos. Los losties abandonaron su campamento en la playa por uno en plena puerta del Sol. Dejando de su lado sus ideologías y paranoias de “veo muertos” y “oigo voces”, se habrían unido en un movimiento denominado ‘Dharmacracia Real Ya’ donde cabrían todos. Hasta Hurley. Así se venderían, pero en el fondo está más que claro que se trata de ‘hostiles’ antisistema que también son socialistas, comunistas, masones y no se qué más. Sun habría podido reproducir en la plaza su huerto casi al detalle e incluso habrían creado una guardería para Aaron, donde la criatura estaría a salvo de los Otros. Hasta los osos polares se habrían sumado a la causa y ahora irían con madroño a cuestas.

Lo de Sayid fue un caso aparte. Empezó a manifestarse por el gobierno dictatorial de Jacob frente a las construcciones egipcias de la isla y acabó trasladando las revueltas al Norte de África y Oriente Medio. Hay que ver lo poco transitadas que están las salas de tortura y la sección de “Básicos” del Springfield desde que el irakí partió con su camisetilla sudorípara.

Benjamin Linux habría vuelto a jugar con la maldita palanquita. En lugar de mover la isla lo que hizo fue desplazar unas cuantas placas tectónicas y liarla parda en Japón y hasta en Lorca. En cuanto al Humo negro, consiguió finalmente salir del pedazo de tierra rodeado de mar. Pero nunca más volvió a poder entrar y castañetear inside. La maldita Ley Antitabaco no le dejaba acercarse por la ínsula, ni por sus colegios de Dharma ni hospitales.

Más píldoras de Lost en Kekorto:
- Lost Finale: 10 preguntas con respuesta y… 20 cuestiones sin resolver (I)
- Los cómics perdidos
- Las videoparodias, una píldora para calmar tu adicción lostie

Trainspotting, Requiem por un sueño y A Scanner Darkly te dejaron muy claro que las drogas sólo llevan a rodearse de malas compañías y destruyen, mental y físicamente. Pero la última película de Neil Burger convierte la historia de un yonqui de diseño en un libro New Age ilustrado. Autoayuda, superación personal y aprovechamiento de toda la capacidad cerebral. Esa es la magia del NZT.

Una impresionante campaña viral enmascarada en carteles en el metro y un spot televisivo. De esta forma comenzaba a darse a conocer al mundo en diciembre del año pasado la sustancia ficticia NZT, verdadera protagonista de la película ‘Sin límites’ (Limitless). Con las misivas de “Desbloquea tu potencial”, o “La píldora clarificadora” se iniciaba un teatrillo de teletienda que no era más que un falso gancho.

“¿Será una pastilla para sobrellevar un buen ‘resacón en Las Vegas’?” Se preguntó más de uno al ver a Bradley Cooper como imagen del producto. La cara del que también fue ‘caradura’ del remake fílmico del Equipo A no engañó a todos. Los que se habían leído el libro de Alan Glynn “The Dark Fields” pudieron tener una ligera idea de lo que se les estaba intentando vender. Claro, que en la novela el nombre original de la medicina era MDT-48 y el protagonista, en lugar de Eddie Morra, se llamaba Eddie Spinola.

Morra es un escritor sumido en crisis creativa y con una personalidad y vida bastante desastrosa. Lo que se podría denominar como una “presa fácil”, para el mundo de las drogas, tanto por su necesidad de recibir un estímulo para crear como por la de ”salirse” de su propio yo para abrazar una personalidad artificial. Un encuentro fortuito con su ex cuñado camello será lo que haga que la droga entre su vida como una brizna de aire fresco.

Y es que una vez que el NZT se prueba es difícil abandonar. Su mayor poder es que no sólo produce un solo efecto beneficioso en el sujeto, sino muchos de forma simultánea. Lucidez mental plena, autoconfianza, sensación de bienestar, extensión de la percepción, aumento de las capacidades intelectuales y físicas… todos, multiplicados por diez. Los yonkis de la sustancia lo empiezan a ser porque quieren que aquello en lo que les convierte esta droga de diseño perdure para siempre, no les abandone tras consumirse cada dosis. Pero el NZT, como cualquier droga, también tiene sus efectos nocivos. Y no es sólo el de volver a sumergir a sus consumidores en la mediocridad. Las contraindicaciones se comprobarán ya avanzada la cinta.

“¡Pero me dijiste que era legal!”, le comenta el protagonista al hermano de su ex en un momento de la película (la segunda vez que se encuentran en el filme, tras probar por primera vez el NZT). Con esta frase de Morra se pone de manifiesto la doble moral que supone que el consumo de algunos compuestos se autorice e incluso se pueda llegar a recomendar (o a promocionar) y otros se intenten teñir de un tinte maligno y marginal.

“¿La droga es mala? ¿Es que te hace algo? ¿Te muerde? ¿Te pega? ¿Te araña? ¿Te salta y te muerde en los huevecillos? ¡Que va a ser mala! ¡Los malos son estos!” Torrente se refiere con el pronombre demostrativo a los toxicómanos, pero su frase bien podría aplicarse a los narcos, a las industrias farmacéuticas y a los propios gobiernos, los que realmente sacan una buena tajada de la adicción de otros a ciertos componentes. Esos que también venden una vacuna para una pandemia inventada a precio de oro o deciden no comercializar otra para una enfermedad real y mortífera. Esta es una de las ideas que subyace de en Sin límites.

Algo tiene esta película que “engancha”. Quizá sea el subidón técnico del principio, con una panorámica vertical de un rascacielos seguida por un zoom interminable hacia las profundidades de la calle e hilado con infinitos encadenados de zooms a fotos con altísima resolución. El “viaje” de megapíxeles por el interior de las calles de NY resulta bastante adictivo para cualquiera que ha tenido la oportunidad de visitar Manhattan y se haya quedado prendado por sus cientos de corceles amarillos con taxímetro. Este tour por el interior de la gran manzana será sólo un aperitivo del entorno inmersivo de la ciudad que se podrá disfrutar durante toda la película.

O puede que se trate de la forma en que transmiten algunas sensaciones del protagonista mediante los efectos especiales. Sus lúcidos colocones, por ejemplo, pueden ser identificados por el espectador gracias a una fotografía más contrastada, luminosa y saturada. Por otro lado, esos momentos en los que Morra es consciente de sí mismo desde fuera se muestran con varios de sus “yos” activos durante la misma acción en profundidad de campo, un recurso que aunque sorprende al principio quizá se acabe repitiendo demasiado a lo largo de la película. En definitiva, lo bueno es que el apartado sfx está presente para adornar y mejorar la historia y no –como ocurre en muchas películas hollywoodienses- al revés. Dos muestras manifiestas de esto son la “lluvia de letras” y los valores de bolsa que aparecen en el techo de la habitación.

Así lo cuenta el propio director, Neil Burger, según recoge Cine y Letras: “Tenemos una estética concreta para mostrar al Eddie de siempre y otra cuando le va haciendo efecto la droga, una tercera cuando está colocado y otra más cuando no lo está. Cada fase cuenta con una paleta de colores, unos movimientos de cámara, un concepto de diseño y un estilo de actuar diferentes. Quería que el público sintiera lo mismo que él, que le acompañara, todo el rato. Los efectos visuales eran otro elemento ¿Cómo procesa la información cuando está colocado? ¿Cómo lo mostramos de manera que el público entienda como trabaja su mente sobrealimentada?”

En esta historia in media res el bueno de Bradley Cooper pasa por tres fases. Comienza siendo un cuasi Murdock que renace de sus cenizas como Fénix para acabar convirtiéndose en un “me encanta que los planes salgan bien” Hannibal Smith. Escritor fracasado, inversor y broker de renombre y finalmente, político prometedor. Tres papeles en los que Cooper no sólo cambia de apariencia física sino de registro, con total credibilidad. Pese a las prácticas moralmente dudosas que en ocasiones pueda llevar a cabo cualquiera de las encarnaciones de Morra, el actor consigue que el protagonista nos consiga resultar bastante simpático. Es un yonki, sí, pero también alguien que ha conseguido sacar todo el partido a su magnetismo personal y superarse a sí mismo. En definitiva, es la muestra palpable del hombre que se convierte en ese superhombre de Nietzsche, aunque NZT mediante.

Por su parte, Robert de Niro cumple perfectamente con su papel de pez gordo capitalista. No es la mejor interpretación de su carrera, pero tampoco lo requiere porque el personaje perdonavidas de Carl van Loon parece que se haya escrito para él, para sus muecas. En este caso de Niro es sólo un secundario que queda eclipsado por las buenas artes de Cooper, quien ve su trayectoria cinematográfica justamente consolidada con esta cinta.

No todos llegan a la edad de plata con la buena salud del Capi, pero claro, tampoco todos pueden comprar suero de supersoldado en farmacias en lugar de Viagra. Cierto es que ha estado congelado media vida y hasta hace nada criando malvas, pero lejos de pasar a segunda actividad y cobrar su pensión marvelita, el héroe ha vuelto para convertirse en ‘el poli’ de América. Para felicitar a Steve, en Kekorto hemos decidido cambiar las 70 velas por similar número de curiosidades de su historia.

1- El personaje del Capitán América vio la luz en plena II Guerra Mundial (marzo de 1941), como un “arma” propagandística de Estados Unidos para combatir a los nazis.

2- Sus padres ideológicos fueron los historietistas Joe Simon y Jack Kirby, quienes crearon al superhéroe en la editorial americana Timely. Simon realizó un boceto y un guión iniciales a finales de 1940 mientras Kirby dibujó el primer número.

3- Los creadores del personaje, ambos judíos, recibieron varias amenazas de muerte de antisemitas por el guión del primer episodio de la colección. La cosa llegó hasta tal punto que las autoridades americanas les proporcionaron protección.

4- El primer nombre que se barajó para el icono fue el de “Super American”. Joe Simon ha explicado que “no funcionaba porque había demasiados supers en los comics. Sin embargo, no había demasiados capitanes, así que “le iba bien”.

5- El primer número de la colección, con una portada en la que el Capitán América golpeaba a un caricaturizado Adolf Hitler en plena cara, vendió casi 1 millón de copias.

6- El nacimiento de Steve Rogers, según su biografía en el mundo del cómic, fue el 4 de julio de 1920 (No podría ser otro día que no fuera el de la Independencia). Sus padres eran unos inmigrantes irlandeses que morirían siendo él aún niño.

7- Steve estudiaba Bellas Artes antes en la época de la Gran Depresión.

8- Antes de ser Capitán América, Rogers intentó alistarse varias veces en el ejército americano para luchar contra los nazis, pero le rechazaron por su fragilidad y debilidad física. Todo apuntaba a que tenía la polio.

9- Steve se sometió a un experimento ultrasecreto del Ejército de EE.UU por el cual le fue inyectado un suero “del SuperSoldado” y fue bombardeado con rayos “vita”. Éste curaría su enfermedad, le haría aumentar su tamaño y masa muscular y le otorgaría superfuerza y superresistencia, convirtiendo su físico en perfecto.

10- Tras el cambio se estima que la altura del héroe es de 1,88 m y su peso de 99 kilogramos.

11- El objetivo de los americanos era conseguir un ejército de “supersoldados” para luchar contra los alemanes. Sin embargo, un espía nazi mató al inventor de la sustancia, Abraham Erskine, destruyendo la única muestra de suero existente. Así paralizó el proyecto y dejó a Steve irremediablemente como único miembro de este grupo de superhombres.

12- Para convertirse en el Capitán América, Rogers fue sometido a un duro entrenamiento de tres meses en el que se le adiestraría en artes marciales y técnicas de combate, así como en tácticas militares. Además de ser un perfecto líder, se trata de un estupendo estratega.

13- Rogers también sufrió un acondicionamiento mental en el que se le hizo una especie de lavado de cerebro para que no revelara información confidencial al enemigo en caso de ser capturado. Así, se le llevó a creer que su verdadero nombre era Grant Rogers, que tenía un hermano y que sus padres eran diplomáticos. No recordaría su verdadera identidad hasta mucho después.

14- Muchos años después, el hombre x llamado Lobezno encontró que el proyecto Rebirth, por el que Rogers se convirtió en el Capi, había sido en realidad el canto de cisne del programa ‘Arma Plus’. El mutante, que en su día fue convertido en ‘Arma X’, descubrió que esta X significaba que había sido el décimo sujeto sobre el cual se había experimentado. Teóricamente, el propio Capitán América era considerado el ‘Arma I’. Lobezno descubrió el pastel gracias a Fantomex o ‘Arma XIII’.

15- El uniforme original del héroe incluía una cartuchera con pistola, una máscara que sólo tapaba la mitad superior de la cara y un escudo con forma triangular hecho de acero ordinario. Estos elementos fueron abandonados pronto por el Capi. La máscara se le levantaba y podría revelar su identidad, así que se cambió por una completa. El escudo fue sustituido por otro circular que también se usaba como arma arrojadiza, así pues, el héroe ya no necesitaba la pistola.

16- El nuevo escudo, de 30 pulgadas de diámetro y 5,44 kilos de peso, fue creado por el doctor Myron Machain en base a una aleación indestructible de vibranium y acero. El objeto se ha convertido en el mayor símbolo del personaje.

17- En realidad el cambio en el escudo del Capi respondió más a razones de evitar problemas de propiedad intelectual que de funcionalidad para el personaje. El objeto “clavaba” la pechera del uniforme de otro carácter de la editorial MLJ que, precisamente, respondía al nombre de ‘The Shield’ (escudo en inglés). Éste había aparecido cuatro meses antes del Capitán América y fue uno de los primeros héroes patrióticos americanos.

18- El primer villano de ficción contra el que se enfrentó el héroe fue Cráneo Rojo (‘Red Skull’), un oficial al mando de las actividades terroristas nazis llamado en realidad Johan Schmidt que estaba involucrado también en operaciones de sabotaje externo y espionaje. Hitler obligaba al militar a llevar una máscara de calavera roja para intimidar e infundir temor en sus tropas y enemigos.

19- El Capitán América contó en su serie original con un compañero adolescente, Bucky, uno de los primeros ‘sidekicks’ de la historia del comic-book. El secundario permaneció muerto a nivel editorial desde los años sesenta hasta 2005, año en que Marvel lo recuperó convertido en el ‘Soldado de Invierno’. Se trataba de un agente al los rusos habían revivido y lavado el cerebro para que asesinara para algunos de sus intereses.

20- En otoño de 1946 el Capitán América y Bucky hicieron equipo con otros hombres extraordinarios en una nueva colección: “The All-Winners Squad”. Este nuevo grupo de superhéroes -que dos décadas después se relazaría a como ‘Los Invasores’- estaba formado también por la Antorcha Humana original y su ayudante Toro, Namor, el velocista the Whizzer (el Zumbador) y Miss-America.

21- En la primera época del personaje, durante la II Guerra Mundial, éste contaba con una novia, Peggy Carter. Separados en los días finales de la guerra, el amor se acabó cuando se creyó a Rogers muerto.

22-El Capitán América fue el primer personaje de Marvel Comics adaptado para otro medio. En 1944 tuvo su propio serial cinematográfico producido por el estudio independiente Republic Pictures.

23- Simon y Kirby sólo realizaron los diez primeros números de la colección del Capitán América por discrepancias con Martin Goodman, el fundador de Timely Comics.

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